El cantautor argentino-venezolano Ricardo Montaner regresa a El Salvador el 3 de octubre con su gira “El Último Regreso”, en una celebración de más de 40 años de carrera.
Las entradas estarán a la venta a partir del 13 de marzo del 2026, en Fun Capital, informó Cosmo Producciones.
Montaner, de 68 años y padre de los cantantes Mau y Ricky, y Evaluna Montaner expresó que esta gira es un reencuentro con su público y una forma de revivir sus grandes éxitos después de una pausa en su carrera.
La última visita del artista al país fue el 23 de octubre de 2023, cuando se presentó con varias horas de retraso pero donde finalmente ofreció un memorable show en el Complejo Cuscatlán, en San Salvador.
En palabras del artista, “el amor es una de las más grandes expresiones que el ser humano puede tener y esta nueva reunión va a ser, particularmente, hermosa y un encuentro espectacular si Dios quiere”.
El espectáculo se llevará a cabo el próximo 3 de octubre en el Gimnasio Nacional, y combina nostalgia, la historia de su carrera con una banda en vivo y grandes clásicos como “Tan Enamorados”, “Bésame”, “Me va a Extrañar”, “La Cima del Cielo” o su más reciente lanzamiento “El Último Regreso”.
Un año más, el audiovisual iberoamericano calienta motores para celebrar su presencia en la gran noche del cine estadounidense desde el encuentro de Egeda, con motivo de los Oscar.
Profesionales de la industria del cine y las series en castellano y portugués, entre ellos los nominados de «Sirāt» (España), se darán cita el próximo domingo 15 de marzo en el espacio The Lillian de Los Ángeles, CA, para seguir en directo la gala de premios de la Academia estadounidense y brindar por la creciente inclusión de producciones iberoamericanas entre las nominadas y ganadoras.
De entre las producciones iberoamericanas, «O Agente Secreto» agrupa las nominaciones a Mejor Película Internacional, Mejor Película, Mejor Actor Principal para Wagner Moura y Mejor Dirección de Casting para Gabriel Domingues; mientras que «Sirāt» hace lo propio con las nominaciones a Mejor Película Internacional y Mejor Sonido para Laia Casanovas, Amanda Villavieja y Yasmina Praderas.
A lo largo de la noche, en torno a 800 profesionales de la industria asistirán a la cita, la mayor congregación del audiovisual en castellano y portugués con motivo de los Oscar, para seguir en directo la entrega en el viewing de 3:30 p.m. a 7:00 p.m., al que seguirá un afterparty hasta las 11:30 p.m.
Esta celebración pone de relieve la fortaleza y la capacidad de crecimiento de la industria audiovisual iberoamericana, así como a todos los profesionales que constituyen el gran universo del talento iberoamericano alrededor del mundo, presente también en producciones como la también nominada «One Battle After Another», en la que el chileno José Antonio García posee la nominación a Mejor Sonido.
Siguiendo el ejemplo de ediciones anteriores, el encuentro organizado por Egeda cuenta con el estrecho apoyo y presencia del ICAA, en una muestra más de su permanente compromiso con el impulso de la producción y el patrimonio audiovisual; a quienes este año se añadirán el ICEX, España Exportación e Inversiones/Audiovisual from Spain, Movistar Plus+, la Academia de cine de España, la Generalitat de Catalunya y Beverly Hilton.
La ya tradicional celebración de este evento refleja una vez más el compromiso de EGEDA US por promover y apoyar a la Industria audiovisual iberoamericana en Estados Unidos en su cometido de dar lugar a producciones con una óptica propia destinadas a un público cada vez más significativo en el país norteamericano.
La Embajada de México en El Salvador ha preparado la exposición pictórica “Rostros y Cuerpos: Memoria e Historia”, una muestra del colectivo de mujeres artistas salvadoreñas Matices, que reúne obras inspiradas en el rostro femenino como símbolo de memoria, identidad y permanencia histórica.
La exposición está conformada por 30 obras pictóricas en formatos pequeño, mediano y grande realizadas en técnicas como acrílico, óleo y acuarela, así como ocho esculturas. La inauguración será este miércoles 11 de marzo a las 7:00 p.m. en el salón de usos múltiples de la embajada. La entrada es gratis hasta completar aforo.
A través de esta propuesta visual, las artistas exploran el rostro femenino como territorio simbólico donde habitan la memoria ancestral, la espiritualidad, la resistencia y la experiencia colectiva de las mujeres.
“Rostros y Cuerpos: Memoria e Historia” parte de la idea de que antes de que la historia fuera escrita, hubo rostros: miradas que guardaron el origen, sostuvieron la vida y transmitieron la memoria de los pueblos. Cada pieza constituye una ofrenda visual que reconoce el papel de la mujer como raíz y cauce en la construcción de las civilizaciones, proyectando una reflexión profunda sobre su presencia constante en la historia.
Fundada en 2004, la sociedad Matices ha trabajado de manera sostenida en la proyección del talento de mujeres artistas salvadoreñas, desarrollando exposiciones en ciudades como Santa Ana, San Salvador y San Miguel, así como en escenarios internacionales en México, Honduras y Guatemala.
En el mes del Día Internacional de la Mujer, el Centro Cultural de España en El Salvador abre la exposición «Lo que me habita, lo que me traspasa» que, con curaduría de Alexia Miranda, convoca a siete artistas mesoamericanas que traen su mirada analítica, aguda, poética y crítica ante la emergencia del planeta y el grito de sus diversas manifestaciones; una mirada que decide ser escuchada, documentada, percibida y vista en las obras de esta muestra colectiva.
Las artistas participantes son Regina Aguilar (Honduras); Elia Arce y Emma Segura (Costa Rica), María Eugenia Chellet (México); Ilimani de Los Andes y Patricia Villalobos Echeverría (Nicaragua) y Alexia Miranda (El Salvador), quienes reúnen propuestas visuales desde lenguajes del libro objeto, instalaciones, videoperformance y la fotoperformance, la acción in situ y su registro videográfico.
Se trata de trabajos que exhuman los restos del dolor, la pérdida, el erotismo, la locura, la sororidad, la nostalgia, la magia, el humor negro y la necesidad de transformar la sociedad en poesía visual, objeto de poder, fetiche lúdico, memoria acústica, sutileza y fragilidad, movimiento corporal, acto de vida… y acto de muerte. La exposición es recomendada para personas mayores de 18 años.
La inauguración será este jueves 12 de marzo, a las 7:00 p. m. en el centro cultural, ubicado en la Calle La Reforma de la colonia San Benito. La entrada es libre y gratuita, y la muestra permanecerá disponible hasta el 24 de abril, en los horarios habituales del espacio.
Ringo Starr lanzó este fin de semana “It’s Been Too Long”, con las exuberantes voces de Molly Tuttle y Sarah Jarosz, este martes 3 de marzo de 2026. Este es el primer sencillo de su próximo álbum, “Long Long Road”, coescrito y producido por T Bone Burnett.
El álbum, que incluye 10 canciones, también cuenta con colaboraciones de Billy Strings, Sheryl Crow y St Vincent, y es la esperada continuación del éxito “Look Up”, que encabezó las listas el año pasado.
“Tengo la suerte de tener a T Bone en mi vida ahora mismo y de que trabaje conmigo en estos discos”, afirmó Ringo. “Después de hacer el último disco, que me encanta escuchar, este surgió de forma natural. Me gusta decir que a veces tomo las decisiones correctas, como cuando puedes ir a la izquierda o a la derecha en cualquier momento, y una de las decisiones correctas fue asociarme con T Bone para Look Up, y ahora para este, que he titulado Long Long Road, porque he recorrido un largo, largo camino”.
Como sugiere el título, y al igual que la propia trayectoria de Ringo, Long Long Road tiene sólidas raíces en el country y la música americana, y ha evolucionado hacia algo más amplio, creando un mosaico sonoro del legado musical y las influencias de Starr, entre las que se incluye Carl Perkins: “Grabé dos canciones de Carl Perkins con The Beatles, y tanto T Bone como yo queríamos incluir una en este disco”, explicó Ringo, “y él encontró esta preciosa canción que yo nunca había escuchado antes, ‘I Don’t See Me In Your Eyes Anymore’”.
Grabado en Nashville y Los Ángeles, este disco supone el regreso de muchos de los músicos de Look Up, incluida la banda principal (a la que T Bone llama cariñosamente “The Texans”, en referencia a la banda con la que Ringo tocó en Liverpool en 1959), formada por Paul Franklin, David Mansfield, Dennis Crouch, Daniel Tashian, Rory Hoffman, Patrick Warren y Colin Linden.
“Siempre me ha encantado cómo toca y canta Ringo”, afirmó T Bone. “Y entonces, una noche, estábamos juntos en una lectura de poesía y me dijo: «¿Por qué no me escribes una canción?». Así que le escribí una canción al estilo de Gene Autry, porque siempre había considerado a Ringo como un artista tejano, ya que su forma de tocar me recordaba a la música de Texas. Ringo Starr es un artista discográfico del más alto nivel, y quería rodearlo de estos jóvenes maestros, aportando parte de la extraordinaria energía juvenil que se respira en Nashville para ambos discos”.
Su primera colaboración, «Look Up», lanzada el 10 de enero de 2025, obtuvo un éxito y una acogida abrumadores. Fue el primer disco country de Ringo en 50 años y le valió su primer Top 10 en la lista de ventas de álbumes de todos los géneros de Billboard, además de situarlo en otras muchas listas de Billboard.
En el Reino Unido, el álbum alcanzó un hito significativo en su carrera al convertirse en su primer álbum en solitario en alcanzar el número 1 en la lista oficial de country. En febrero de 2025, Starr debutó en el Grand Ole Opry tras ser invitado por Emmylou Harris durante la primera de sus dos noches en el legendario Ryman, que se grabó para un especial de dos horas que todavía se emite en CBS/Paramount Plus.
Estas son las 10 canciones, 6 escritas o coescritas por T Bone Burnett, dos coescritas por Ringo y Bruce Sugar, una escrita por Ringo Starr, Mark Hudson y Gary Burr, y otra por Bernie Benjamin y George David Weiss, grabada por Carl Perkins:
LADO UNO
1. RETURNING WITHOUT TEARS
2. BABY DON’T GO
3. I DON’T SEE ME IN YOUR EYES ANYMORE
4. IT’S BEEN TOO LONG
5. WHY
LADO DOS
1. YOU AND I (WAVE OF LOVE)
2. MY BABY DON’T WANT NOTHING
3. CHOOSE LOVE
4. SHE’S GONE
5. LONG LONG ROAD
El álbum ha sido producido por T Bone Burnett y coproducido por Daniel Tashian y Bruce Sugar, y será lanzado por UMe.
Los cantantes colombianos Manuel Turizo y Maluma lanzaron este viernes el sencillo «Apambichao», una propuesta musical que «celebra la esencia del Caribe colombiano a través de un sonido conectado con la tradición y la evolución de la música latina contemporánea».
«‘Apambichao’ toma su nombre de una variante más lenta y cadenciosa del merengue dominicano conocida como pambiche, caracterizada por un ritmo íntimo y envolvente que se baila muy cerca, evocando conexión, complicidad y romanticismo», informó el equipo de Turizo en un comunicado.
Turizo, oriundo de Montería, municipio del departamento caribeño de Córdoba, junto con Maluma, que nació en Medellín (oeste), transforman a Colombia en el corazón de su proyecto con un video que muestra las calles, la gente y los colores que ilustran «la energía cotidiana que define al país».
«La cultura, el movimiento y la esencia urbana convierten cada escena en una celebración viva de Colombia, interpretada por dos de sus exponentes más influyentes en la música en español», agregó la información.
Maluma ganó un Latin Grammy a Mejor Álbum Vocal Pop Contemporáneo en 2018 con «F.A.M.E» y Turizo ha sido nominado a ese premio en dos ocasiones con «Pa’ olvidarte Remix».
Durante décadas se repitió una idea casi sagrada: el arte era aquello que se exhibía en museos, se interpretaba en teatros o se colgaba en galerías. Sin embargo, esa definición que dominó el siglo XX hoy se encuentra profundamente cuestionada. En realidad, algo más radical ha ocurrido: el concepto tradicional de arte prácticamente ha desaparecido, pero la mayoría de las personas aún no lo ha advertido.
Durante el siglo XX el arte se entendía principalmente como una obra creada por un artista y presentaba características de materialización, fueran pinturas, esculturas, discos, libros o películas las que se constituían como el centro de la experiencia artística. Incluso las vanguardias más revolucionarias, que rompieron con la tradición académica, mantenían esa lógica básica: el arte era una creación identificable producida por un autor. Picasso, Duchamp o Stravinsky representaban ese paradigma del creador singular que producía una obra destinada a ser contemplada.
Ese modelo estaba sostenido además por instituciones culturales muy claras. Museos, editoriales, teatros y galerías actuaban como guardianes de lo que podía considerarse arte. La legitimidad artística dependía en gran medida de esos espacios. Una obra debía ser exhibida, publicada o interpretada dentro de ese sistema para adquirir reconocimiento, y en el proceso podía o debía participar, según el caso, un intermediario comercializado.
Pero el siglo XXI ha comenzado a desmontar silenciosamente ese esquema.
La irrupción de Internet, las redes sociales y las nuevas tecnologías ha transformado de manera radical la producción cultural. Hoy millones de personas crean música, imágenes, videos o narrativas sin pasar por los canales tradicionales. En ese contexto, la frontera entre artista y público se ha vuelto cada vez más difusa.
Lo que antes era contemplación se está convirtiendo en participación. El espectador ya no siempre observa una obra terminada; muchas veces interactúa con ella, la modifica o incluso la completa. En el arte digital, las experiencias son inmersivas o las narrativas son interactivas, la obra deja de ser un objeto cerrado y se convierte en un proceso.
Esta transformación también ha alterado la idea clásica de autoría. En el siglo XX el artista era una figura central, casi heroica. En cambio, en el siglo XXI muchas obras son colectivas, colaborativas o incluso generadas parcialmente por algoritmos. La creatividad puede surgir de comunidades enteras o de la interacción entre humanos y tecnologías.
Al mismo tiempo, las fronteras entre disciplinas se han vuelto cada vez más borrosas. La música se mezcla con el diseño, el cine con el videojuego, la literatura con las plataformas digitales. El arte ya no está confinado a museos o teatros; aparece en espacios urbanos, en Internet o en experiencias culturales híbridas.
Por eso algunos teóricos del arte sostienen que estamos viviendo un cambio de paradigma. El arte del siglo XX estaba centrado en la obra y el autor. El arte del siglo XXI comienza a definirse más bien por la experiencia y la interacción.
Esto no significa que desaparezcan la pintura, la música o la literatura. Significa algo más interesante: esas formas ya no monopolizan la creatividad cultural. El arte se ha expandido hacia territorios donde las personas no sólo contemplan, sino que participan activamente.
En otras palabras, el arte ya no es únicamente aquello que produce un artista para ser observado. Cada vez más es un espacio de encuentro entre personas, tecnología y cultura.
Quizá por eso la gran transformación de nuestro tiempo no sea la aparición de nuevas técnicas o estilos, sino algo más profundo: la redefinición misma de lo que entendemos por arte. Y aunque muchos aún no lo perciban con claridad, el siglo XXI está construyendo un concepto artístico completamente distinto al que dominó durante el siglo pasado. Esto no es bueno, ni malo; genera daños colaterales, dependiendo del lugar que ocupes en el proceso de esta transformación.
Durante la etapa final de la selección de los soldados de élite del Ejército de EE.UU., un ejercicio se convierte en una lucha por sobrevivir ante una amenaza inimaginable. No te pierdas a Alan Ritchson en el filme de acción «War Machine» (Máquina de guerra), que ya está disponible este fin de semana en Netflix.
«El joven Sherlock», serie drama – Prime Video
«Vladimir», miniserie drama – Netflix
«Los dinosaurios», serie documental – Netflix
«Parque Lezama», película argentina – Netflix
«El infierno de las mujeres» (Piekło kobiet), serie drama polaca – HBO Max
«Novio por suscripción», miniserie drama surcoreana – Netflix
«Harry Styles: Una noche en Mánchester», concierto en vivo – Netflix
Carmen Maura interpreta a una mujer que, a sus casi 80 años, reivindica la capacidad de decidir, la sensualidad y el deseo en la película «Calle Málaga», de la cineasta marroquí Maryam Touzani, que este viernes inaugura la 29.ª edición del Festival de Cine en Español de Málaga, en España.
Maura tuvo «clarísimo» que quería participar en este proyecto al leer el guion, que le «chiflaba», y no tuvo problema con las dos advertencias que le hizo la directora: que su personaje está en todas las secuencias y que debía aparecer desnuda.
La actriz española interpreta a una taquillera del Teatro Cervantes de Tánger y su vida da un giro cuando su hija (Marta Etura) llega a esa ciudad para comunicarle que ha decidido vender el apartamento donde siempre ha vivido, por lo que se verá obligada a hacer todo lo posible para mantener su hogar.
«Es verdad que es bastante agotador estar en todas las secuencias, y lo de salir desnuda me daba igual. A los 80 años han cambiado muchas cosas, pero hace quince o veinte habría dicho que sí o que no», afirmó la actriz en rueda de prensa.
A su edad, le llegan los papeles que le «corresponden» y no cree que en el futuro siga «trabajando tan a lo bestia», ya que le apetece también descansar tras una carrera llena de grandes títulos, muchos de ellos dirigidos por Pedro Almodóvar, como «¿Qué he hecho yo para merecer esto?» (1984) «La ley del deseo» (1987), «Mujeres al borde de un ataque de nervios» (1988) o «Volver» (2006).
«Haré cosas a partir de un guion que me entusiasme, porque ya no me interesa solo trabajar con gente importante, y si puedo también haré un corto con un novato», afirmó la actriz, tajante cuando se le pregunta cómo lleva los 80 años. «La edad la llevo bien porque no hay más cojones».
«Una, aunque tenga 80 años, tiene que hacer lo que le dé la gana y no dejarse influir por lo de alrededor. En los papeles que te dan, normalmente vas a pasar por el sanatorio o te mueres. En este momento me siento más libre que en toda mi vida, y no tengo ningún escalón que subir ni ninguna persona que conocer», explicó.
Por su parte, Touzani reveló que este guion «nació del dolor y de la ausencia», porque empezó a escribirlo cuando perdió a su madre, y eso le llevó a los recuerdos de ella, de su abuela Juana y de su ciudad natal, Tánger, donde todavía está esa calle Málaga.
Esa doble cultura marroquí y española en Tánger que aparece en la película la vivió Touzani desde su infancia, y la reivindica como «una riqueza» en el mundo actual.
«Mi abuela se fue a Marruecos con 7 años y era muy española, pero también muy arraigada a Tánger, porque una cosa no impide la otra. En esa calle Málaga había una mezcla de culturas y religiones que todavía hoy conviven con tolerancia y amor, y es algo muy bonito en un mundo como el de hoy, en el que estamos erigiendo paredes y separaciones», agregó.
El actor estadounidense Sean Penn parte como gran favorito para alzarse con el Oscar al mejor actor secundario durante la 98 edición de los premios de la Academia de Hollywood, por personificar al villano de «One Battle After Another», que ha retratado, sin proponérselo, al comandante que encabezó la gran ofensiva migratoria de Donald Trump.
La personificación del coronel Steven J. Lockjaw, en la comedia negra de Paul Thomas Anderson, ya le valió al actor californiano el galardón en la categoría de mejor actor de reparto en los BAFTA y de los premios sindicato de Actores de Hollywood (SAG-AFTRA, por sus siglas en inglés), premios que tradicionalmente suelen coincidir con los elegidos por la Academia.
Y en sitios especializados de pronósticos como Gold Derby, Penn supera con creces a sus contendientes: Stellan Skarsgård (‘Valor sentimental’), Delroy Lindo (‘Sinners’), Jacob Elordi (‘Frankenstein’), así como a su compañero de reparto Benicio del Toro en ‘One Battle After Another’ (‘Una batalla tras otra’).
A esto se suma que el coronel Lockjaw ha resonado entre el público estadounidense al ser comparado con Greg Bovino, un jefe de la Oficina de Aduanas y Protección Fronteriza de EE.UU. (CBP) en California, que asumió el liderazgo nacional de las agresivas redadas migratorias ordenadas por la Casa Blanca.
Las imágenes de Penn caracterizado como Lockjaw y Bovino han inundado las redes sociales, con mensajes que destacan las grandes semejanzas del personaje de ficción y el de la vida real.
Lockjaw se muestra como un militar corrupto cuya autoridad se ve amenazada cuando un centro de detención de inmigrantes que supervisa es atacado por un grupo de revolucionarios liderada por Bob Ferguson (Leonardo DiCaprio) y Perfidia Beverly Hills (Teyana Taylor).
Hasta Brian McKeon, subsecretario de Estado Adjunto de los Estados Unidos para Administración y Recursos en el Gobierno de Joe Biden, hizo un comentario en su cuenta de X en el que dijo que “es increíble” como la película y el personaje de Penn “previó” la irrupción de Bovino en el panorama nacional.
Las similitudes
El principal parecido entre el personaje de Penn y Bovino es su trabajo, ambos están encargados de lidiar con operativos de inmigración en la frontera de California con México y de la noche a la mañana se convierten en figuras públicas por sus supuestos éxitos.
En la película Lockjaw no se medirá en las tácticas usadas para lograr su objetivo. Otra destacada semejanza con Bovino, que ha sido acusado de permitir el uso de fuerza excesiva en los operativos migratorios, especialmente en Mineápolis, que se saldaron con la muerte de dos estadounidenses.
Con el tiempo, las similitudes entre Lockjaw con Bovino han aumentado. Aunque el personaje de la vida real no termina muerto como el de la ficción, el jefe de CBP fue retirado en enero pasado de los operativos y regresado a la frontera, tras la lluvia de críticas por la agresividad de los operativos.
Además, Bovino estuvo involucrado en temas relacionados con la discriminación racial, al igual que el personaje de Penn. Ambos también fueron ligados a símbolos confederados, según un informe de The American Prospect.
Inspirados en el séptimo arte
Las afinidades no solo serían entre el personaje del film y el de la vida real. Bovino y Penn parecen tener un amor en común por el séptimo arte. El jefe de CBP confesó en un podcast que optó por trabajar con las autoridades migratorias tras ver la película ‘The Border’ con Jack Nicholson.
“Pensé en ponerme un poco del otro lado y volver a ver la película desde el otro lado», explicó Bovino en la conversación con otro colega de CBP.
Por su parte, Penn, que ya ha ganado dos Oscar como mejor actor por «Mystic River» (2003) y «Milk» (2008), dijo en una entrevista con Vanity Fair que le bastó con leer unas «pocas páginas» del guión de la película que se cocinó durante casi 15 años para aceptar personificar a Lockjaw.
«Recuerdo las palabras ‘él va allí’ dando vueltas en mi cabeza, porque no tenía ni idea de cuál sería el tema, qué abordaría o qué reflejaría sobre nuestras vidas actuales», aclaró a la revista el actor californiano.
