Categoría: Escena

  • Teatro, música y actividades familiares en la agenda del fin de semana

    Teatro, música y actividades familiares en la agenda del fin de semana

    Las actividades culturales no faltan este fin de semana para que acudas con tu familia y amigos. Toma nota de las principales recomendaciones y no te quedes en casa.

     

    Viernes 29 de mayo

    Comedia: «Adal Ramones: Viajando sin maletas»

    Teatro Presidente

    7:00 p.m.

    Lateral $45, VIP $65, $Platinum $75 en Fun Capital

     

    Viernes 29, sábado 30 y domingo 31 de mayo

    Teatro: «Yo, Lucía»

    Teatro Luis Poma, Metrocentro

    Sábado 11:00 a.m. y 5:00 p.m., domingo  11:00 a.m. y 5:00 p.m.

    Entradas $10 en teatroluispoma.com o en taquilla

     

    Viernes 29, sábado 30 y domingo 31 de mayo

    Teatro: «La mandrágora»

    La Galera, Cocina & Teatro, bulevar Los Héroes

    Viernes y sábado 8:00 p.m. y domingo 5:00 p.m.

    Entrada: $10, reservas al 7593-2542

     

    Sábado 30 de mayo

    «Fantasía en la ciudad», personajes de Disney en los senderos del parque

    Parque Cuscatlán

    3:00 p.m.

    Actividad sujeta a suspensión por clima

     

    Sábado 30 de mayo

    Silent Disco, con Vanity Glare: techno, reguetón, hip hop y más

    Restaurante Teatro de Lucas, Centro Histórico de San Salvador

    7:00 p.m.

    Entradas $10 en preventa y $12 en puerta

     

    Domingo 31 de mayo

    Taller: creación de mandalas

    Parque Cuscatlán, Mezzanine de la Hoja Cultural

    2:00 p.m.

    Actividad gratuita para todo público. Cupo máximo: 20 personas, reservas: https://bit.ly/TalleresParqueCuscatlan

  • Rosalía, la ópera y la física que se esconde en la acústica de los conciertos

    Rosalía, la ópera y la física que se esconde en la acústica de los conciertos

    En “Berghain”, una de las canciones del último álbum de Rosalía, hay fragmentos que pueden sorprender a quien lo escucha. La voz se aleja del registro pop habitual y se acerca a un estilo de canto que recuerda a la ópera: el fraseo es más amplio, el vibrato más sostenido y el sonido más uniforme y proyectado.

    La clave no está solo en cómo se produce esta voz, sino en cómo llega al público. En los conciertos de Rosalía, la voz se capta mediante micrófonos, se procesa electrónicamente y se reproduce a través de altavoces. En una representación operística tradicional, por el contrario, no se utiliza amplificación: la voz debe poderse oír claramente en todo el recinto por sí sola. Esta diferencia modifica por completo el papel de la acústica en la experiencia musical.

    La acústica detrás de la frustración de los músicos

    Muchos músicos han vivido una situación frustrante muy conocida: tras horas de ensayo y preparación, suben al escenario y el resultado no es el esperado. No porque toquen peor, sino porque no se oyen a sí mismos correctamente o porque el público no percibe con claridad lo que están interpretando. En muchos casos, el problema no es musical sino acústico.

    Lo que llega al oyente es una combinación del sonido directo de la voz o del instrumento y de cómo este se refleja en las paredes, el techo y otras superficies. Esta interacción puede entenderse a partir de dos efectos fundamentales: el aumento del nivel sonoro y la persistencia del sonido en el tiempo.

    Por un lado, las reflexiones del sonido hacen que este llegue con mayor intensidad y de forma más homogénea a diferentes puntos de la sala. No se trata solo del sonido emitido por el cantante o el instrumentista, sino de cómo el espacio redistribuye ese sonido.

    Por otro lado, estas reflexiones también hacen que el sonido persista durante un cierto tiempo después de que la fuente haya dejado de emitirlo. Este fenómeno, conocido como reverberación, es una característica esencial de cualquier sala. Una cierta cantidad de reverberación añade continuidad y riqueza al sonido, especialmente en la voz operística, ya que refuerza la sensación de plenitud y favorece la proyección dentro del teatro.

    Si la reverberación es excesiva, sus efectos se vuelven problemáticos: el sonido pierde definición, los detalles se difuminan y las líneas rápidas o articuladas se vuelven confusas. Además, se reduce la inteligibilidad, es decir, la facilidad para comprender el texto cantado. En estas condiciones, se pierde claridad tanto en la música como en la letra.

    La voz y la sala: un único instrumento

    En el caso de la ópera, todos estos factores son cruciales. La voz y la sala funcionan como un único instrumento que se extiende en el espacio más allá de la fuente sonora. De hecho, la técnica vocal lírica se ha desarrollado, en gran parte, para adaptarse a estas condiciones: para proyectar el sonido de manera eficiente, mantener la claridad del texto y aprovechar las características acústicas del teatro.

    En cambio, en los conciertos amplificados, como los de Rosalía, el canal de transmisión es completamente diferente. El sistema electroacústico (compuesto por micrófonos, procesamiento digital y altavoces) permite controlar el nivel sonoro y modificar el timbre o la sensación de espacialidad, recreando cualidades que recuerdan a la ópera, pero en condiciones físicas muy diferentes.

     

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    Esto no significa que la acústica deje de ser relevante; lo que cambia es su función. En lugar de ser el principal medio de transmisión, pasa a formar parte de un sistema en el que el sonido puede ajustarse y modelarse tecnológicamente.

    Para los músicos, esta realidad tiene una consecuencia clara: la interpretación musical no puede separarse del espacio en el que sucede. Un mismo repertorio puede sonar muy diferente dependiendo del lugar. Una iglesia con mucha reverberación puede favorecer la música coral, pero dificultar los pasajes rápidos. Una sala de conciertos moderna, con muy poca reverberación, puede ofrecer más precisión pero, en algunos casos, un sonido menos envolvente.

    Por eso los músicos profesionales se toman su tiempo para familiarizarse con la acústica del lugar donde van a tocar. Probar el sonido, ajustar la dinámica o adaptar el tempo no es un detalle menor: es una parte esencial de la interpretación.

    El lugar también forma parte de la música

    La próxima vez que asista a un concierto o a una ópera, intente prestar atención no solo a los músicos, sino también al espacio: los materiales de las paredes, ya sean lisos o irregulares; la forma del techo; la presencia de cortinas, madera o superficies duras; cómo cambia el sonido dependiendo de dónde se encuentre.

    Muchos de estos elementos forman parte del diseño acústico de la sala. Las superficies irregulares o inclinadas ayudan a dispersar el sonido y a evitar los molestos ecos, mientras que los materiales porosos o los tejidos gruesos absorben parte de la energía sonora y controlan la reverberación.

    Algunas salas modernas también utilizan dispositivos ajustables y nuevos materiales acústicos inspirados en la física de las ondas (los llamados metamateriales acústicos) para adaptar la respuesta sonora según el tipo de música.

    La música no solo se crea en el escenario: se moldea en el espacio que nos la hace llegar.

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    Autoría

    Rubén Picó Vila

    Catedràtic de Física Aplicada, Universitat Politècnica de València

  • «In her truth», la biopic sobre la relación de Kate Moss y el pintor Lucian Freud

    «In her truth», la biopic sobre la relación de Kate Moss y el pintor Lucian Freud

    Un ‘biopic’ sobre la extraña relación que la supermodelo Kate Moss desarrolló a sus 17 años con el pintor británico Lucian Freud se estrena este viernes en los cines del Reino Unido, con el título «In her truth» (En la verdad de ella).

    La película relata el año de relación que Moss y Freud -uno de los mejores retratistas británicos contemporáneos-, quien entonces ya tenía 80 años, durante el tiempo que el pintor necesitó para ejecutar el retrato de la modelo, entonces al comienzo de su carrera.

    Kate posó desnuda durante largas horas para el artista: concretamente de 9:00 de la noche a 2:00 de la mañana, durante nueve meses.

    El filme ha sido dirigido por el neozelandés James Lucas, mientras que los papeles principales recaen sobre Ellie Bamber (Moss) y Derek Jacobi en el papel de Freud.

    Aunque Freud era conocido por su promiscuidad y sus numerosas parejas -se le atribuyen 14 hijos reconocidos-, no pareció existir entre él y la muchacha una relación ‘impropia’ en el aspecto sexual, aunque la película no elude otras situaciones escandalosas como cuando se ve a ambos consumiendo opio durante el proceso pictórico.

    Esa relación platónica (por parte de ella) no esconde que Freud estuviera enamorado de la joven y tenga un arranque de celos cuando ella le confiesa que tiene una relación con el empresario Jefferson Hack. De hecho, la película transcurre en el momento en que ella quedó embarazada de Hack.

    Pero la película hurta uno de los momentos más icónicos de aquella relación: cuando el pintor tatuó en el muslo de Kate una pequeña bandada de pájaros, un tatuaje del que ella pudo presumir así: «Soy probablemente la única persona viva con un Lucian Freud en el muslo».

    Según cuenta la BBC, Kate Moss -que en su vida ha rechazado innumerables ofertas para participar en documentales o ficción sobre su vida- no solo aprobó la versión que presenta Lucas, sino que es una productora de la película.

  • «Amores perros» será serie de televisión con Sofía Vergara de productora

    «Amores perros» será serie de televisión con Sofía Vergara de productora

    El guión de «Amores perros» que escribió Guillermo Arriaga y dirigió Alejandro González Iñárritu se convertirá en una serie de televisión, de la mano de las productoras AF Films y LatinWe, de Sofía Vergara.

    Arriaga será el asesor creativo del proyecto, según publica la web de la revista Deadline, que precisa que AF Films ha comprado los derechos del guion original, por lo que no se trata de hacer un remake de la película.

    «Amores Perros», protagonizada por Gael García Bernal, Emilio Echevarría y Goya Toledo, participó en el año 2000 en la Semana de la Crítica, una sección paralela del Festival de Cannes, donde ganó el Gran Premio.

    Fue nominado tanto al Oscar como al Globo de Oro a mejor película en lengua no inglesa, ganó el BAFTA británico a mejor filme extranjero y fue el gran triunfador de los Premios Ariel del cine méxicano de 2001, con doce galardones.

    «Amores Perros», ópera prima de Iñárritu, cuenta la vida de tres personas que se entrecruzan cuando dos jóvenes sufren un accidente de auto huyendo hacia un futuro mejor, un sueño que los protagonistas de la historia comparten a pesar de la diferencia de clases.

    Según los productores, la adaptación «revisitará y ampliará los fundamentos temáticos de la historia: vidas interconectadas, fractura moral y el crudo terreno emocional de la vida urbana, reimaginados a través de una lente contemporánea y una narrativa de larga duración».

     

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    «Esta es una de las piezas más importantes de propiedad intelectual cinematográfica que ha surgido de América Latina en los últimos 25 años», destacó Ariza, fundador de AF Films.

    Por eso «devolver este material a su fuente creativa, y hacerlo en colaboración con Guillermo Arriaga», les permite honrar su legado y hacerlo evolucionar «hacia una nueva forma que hable a la audiencia global actual».

  • Marilyn Monroe, la sex symbol que luchó contra etiquetas, depresión y adicciones

    Marilyn Monroe, la sex symbol que luchó contra etiquetas, depresión y adicciones

    Este lunes se cumplen cien años del nacimiento de Norma Jean Mortenson, más conocida por su nombre artístico, Marilyn Monroe, ícono por excelencia del cine y sex symbol, cuya imagen poco tenía que ver con su verdadera personalidad y con los problemas a los que tuvo que enfrentarse, como la depresión y las adicciones.

    Monroe falleció con tan solo 36 años el 5 de agosto de 1962. Desde el principio, los forenses dijeron que la muerte se produjo debido a una ingesta accidental o un suicidio por una sobredosis de medicamentos, algo que cuadraba con su conocida inestabilidad.

    Su fragilidad en sus últimos meses era extrema y apenas salió de su casa. Desde hacía años consumía grandes cantidades de alcohol y drogas que ya le habían puesto al borde de la muerte en varias ocasiones. Y arrastraba graves consecuencias de una infancia traumática, a lo que se había unido la enorme presión que sufría por su condición de estrella.

    Según un estudio publicado en 2023 en la revista Clinical Neuropsychiatry, Monroe era maníaco-depresiva, con un cuadro de ansiedad, insomnio y conductas autolesivas.

    Norma Jean se convierte en Marilyn

    Nacida el 1 de junio de 1926 en Los Ángeles, era hija de madre soltera, Gladys Baker, una montadora de películas con problemas mentales, por lo que la niña creció en hogares de acogida y diversas instituciones, época en la que sufrió abusos sexuales.

    De adolescente se refugió en el cine y el 19 de junio de 1942, poco después de cumplir 16 años, se casó con Jim Dougherty, un trabajador de la empresa aeroespacial Lockheed Corporation, en un intento de escapar a su vida de orfanatos, pero el matrimonio apenas duró cuatro años.

    Tras el divorcio comenzó a trabajar como modelo de bañadores y a lucir su melena oxigenada dando origen a esa perfecta mezcla de inocencia y sexo que cautivaría a productores, directores y espectadores.

    Algunas de aquellas fotografías se publicaron en revistas y llamaron la atención de Howard Hughes, el presidente de RKO Pictures, quien le ofreció su primera audición. Pero, aconsejada por el agente Ben Lyon, se fue al estudio rival, 20th Century-Fox, y firmó su primer contrato: 125 dólares a la semana por un periodo de seis meses.

    Para entonces empezó a llamarse Marilyn Monroe, el apellido sacado de la familia de su madre y el nombre en recuerdo de Marilyn Miller, una de las actrices predilectas de Lyon.

    En 1949 realizó una sesión de fotos desnuda que se hicieron mundialmente famosas cuando se publicaron cuatro años más tarde en la revista Playboy, lo que coincidió con el comienzo de su noviazgo con la leyenda del béisbol Joe DiMaggio.

    La pareja se casó en 1954 en plena racha artística para Monroe con ‘Niagara’, ‘Gentlemen Prefer Blondes’ o ‘How to Marry a Millionaire’. Y se divorciaron en apenas nueve meses.

    Fama de conflictiva

    Continuó con éxitos como ‘The Seven Year Itch’ (1955), donde aparece la famosa imagen de la actriz tratando de impedir que se le suba la falda por el aire que sale de las rejillas del metro.

    Sin embargo, cada vez eran más frecuentes las quejas de los estudios sobre su comportamiento en los platós.

    No se presentaba a trabajar a tiempo, argüía supuestas enfermedades para ausentarse y se labraba a pulso la fama de tormento entre productores, directores y actores, mientras arreciaban los rumores sobre romances con múltiples celebridades de la época.

    A pesar de ello, Monroe luchó por demostrar que podía ser considerada una actriz seria (‘Bus Stop’, 1956), a lo que contribuyó su nuevo matrimonio, esta vez con el dramaturgo Arthur Miller, con quien vivió un periodo de estabilidad que duró cinco años.

    Recientemente, se descubrieron unas grabaciones en las que Miller describía a Monroe como una persona «encantadora» y «una mujer muy inteligente» con «un gran sentido del humor, ironía y generosidad», pero dominada por la «paranoia», ya que sospechaba que todo el mundo la explotaba o la perjudicaba.

    Rodó la célebre ‘Some Like It Hot’ (1959), junto a Tony Curtis y Jack Lemmon, y al año siguiente Miller escribió para ella ‘The Misfits’, que sería su último largometraje.

    El rodaje fue muy complicado. Monroe llegaba siempre tarde, las condiciones climatológicas eran muy duras y la actriz enfermó de agotamiento, lo que obligó a hospitalizarla durante una semana. Todo eso contribuyó a que aumentaran los rumores sobre su falta de fiabilidad, según el American Film Institute.

    En 1962 Monroe comenzó a filmar la comedia ‘Something’s Got to Give’, dirigida nada menos que por George Cukor. Sin embargo, estuvo frecuentemente ausente del set debido a enfermedades y el filme quedó inacabado. En mayo viajó a Nueva York para asistir a una gala donde cantó el famoso ‘Feliz cumpleaños’ al presidente John Fitzgerald Kennedy. Menos de tres meses después falleció.

  • Luis Enrique lanza disco inédito, el primero en 13 años

    Luis Enrique lanza disco inédito, el primero en 13 años

    El cantante nicaragüense Luis Enrique lanzó este viernes “El alma en clave”, su primer álbum de canciones inéditas en 13 años, una producción con la que busca reafirmar su identidad musical y aportar nuevas propuestas a la salsa contemporánea.

    Conocido internacionalmente como el “Príncipe de la Salsa”, el intérprete de éxitos como “Yo no sé mañana”, “Desesperado” y “Así es la vida” considera que la música latina atraviesa uno de sus mejores momentos a nivel mundial.

    “Yo creo que ha cambiado positivamente. Creo que la música latina está en un primer lugar hoy día, gracias a artistas como Bad Bunny y mucha otra gente que también, desde su escenario, ha venido sembrando una semilla que ha dado mucho fruto en los últimos años”, expresó el artista en una entrevista concedida a EFE.

    Luis Enrique sostuvo que la música en español ha logrado conquistar públicos en diferentes regiones del mundo, incluso entre personas que no dominan el idioma.

    “No entienden mucho, quizás, lo que dice la letra, pero la música latina, indudablemente, por su ritmo, por su cadencia, por su sabrosura, está en el gusto del público internacionalmente”, afirmó.

    El nuevo trabajo discográfico fue grabado entre Miami, Venezuela y Puerto Rico, lugares que el artista considera fundamentales en la construcción de su identidad musical y en el desarrollo de su carrera artística. La producción incluye 11 canciones, entre ellas algunos sencillos previamente lanzados como “La foto”, “Ayúdame a entender”, “Dando y dando” y “Nombre y apellido”, este último grabado junto al rapero De La Ghetto.

    El cantante explicó que decidió publicar un álbum completo luego de varios años enfocado en el lanzamiento de sencillos individuales. Entre ellos destaca “La foto”, tema que obtuvo una nominación a los Latin Grammy en 2025.

    Sobre el contenido de la producción, Luis Enrique señaló que las canciones combinan historias románticas con mensajes de contenido social, buscando ofrecer una propuesta diferente dentro del género salsero. “No me estoy enfocando nada más en poner a la gente a bailar. Sí, van a bailar, evidentemente van a bailar, pero también quiero decir cosas de una manera diferente”, comentó.

    El artista adelantó además que el proyecto contará con una edición especial deluxe, una versión en doble vinilo y una gira internacional que incluirá presentaciones en las Islas Canarias, Colombia y México.

    Con más de tres décadas de trayectoria, Luis Enrique continúa siendo una de las figuras más representativas de la música nicaragüense y uno de los exponentes más influyentes de la salsa contemporánea.

  • Steven Spielberg dice que está convencido de que «la nuestra no es la única civilización inteligente del universo»

    Steven Spielberg dice que está convencido de que «la nuestra no es la única civilización inteligente del universo»

    Steven Spielberg regresará al género de ciencia ficción con “El día de la revelación” (Disclosure day), una película que se estrenará en cines el próximo 12 de junio y cuyo tráiler final fue lanzado el jueves por Universal Pictures.

    El adelanto muestra al reconocido director hablando directamente a cámara mientras reflexiona sobre la posibilidad de vida inteligente fuera de la Tierra.

    “Ahora estoy mucho más convencido que cuando hice Encuentros en la tercera fase de que la nuestra no es la única civilización inteligente del universo”, afirma Spielberg al inicio del video promocional.

    Las imágenes también revelan escenas vinculadas con una misteriosa nave espacial y el denominado caso Orswell, eje central de la trama. En la película, la periodista Margaret Fairchild, interpretada por Emily Blunt, intenta advertir al personaje Daniel Kellner, encarnado por Josh O’Connor, que su vida corre peligro tras descubrir información relacionada con extraterrestres.

    “Cuando llegue de verdad el día de la revelación tendremos que aceptar que no hemos estado solos desde que el mundo es mundo”, asegura Spielberg en otra de las frases incluidas en el avance cinematográfico.

    El tráiler también deja entrever que los personajes principales mantienen una conexión del pasado que ambos habían olvidado. Varias secuencias muestran recuerdos de la infancia donde aparentemente estuvieron bajo custodia de seres alienígenas.

    La parte final del adelanto presenta por primera vez a los extraterrestres de la cinta. En una de las escenas más inquietantes, un ciervo se transforma en una criatura alienígena mientras reproduce sonidos similares a los emitidos previamente por el personaje de Fairchild durante una transmisión en vivo.

    El director de cine estadounidense, Steven Spielberg.

    La producción cuenta con un guion escrito por David Koepp, colaborador frecuente de Spielberg y responsable de los libretos de películas como “Parque Jurásico”, “El mundo perdido: Jurassic Park”, “La guerra de los mundos” e “Indiana Jones y el reino de la calavera de cristal”. Según datos de la industria cinematográfica, esas producciones acumulan más de $3,000 millones en taquilla mundial.

    Considerado el director más taquillero de la historia del cine, Spielberg ha dirigido clásicos como “Tiburón”, “E.T. el extraterrestre”, “Indiana Jones” y “Parque Jurásico”. Además, ganó tres premios Oscar, incluyendo mejor director y mejor película por “La lista de Schindler”.

    La película es protagonizada por Emily Blunt, Josh O’Connor, Colin Firth, Eve Hewson y Colman Domingo, actor nominado en dos ocasiones a los premios Oscar.

     

  • Los personajes de «Toy Story 5» revolucionan Londres con un adelanto de la película

    Los personajes de «Toy Story 5» revolucionan Londres con un adelanto de la película

    Los juguetes protagonistas de «Toy Story 5» y los actores que les ponen voz en la versión original revolucionaron este jueves al público londinense durante el acto de presentación de la quinta película de la franquicia animada de Disney Pixar, donde se proyectó un adelanto de 45 minutos del filme, que llegará los cines en junio.

    El emblemático Buzz Lightyear, acompañado de sus inseparables Woody y Jessie, desfilaron esta tarde por la alfombra roja de la plaza de Leicester Square, en la capital británica, y protagonizaron un momento nostálgico que fue el deleite de los niños (y los no tan niños) y una celebración de los más de 30 años de la existencia de la serie.

    Antes de entrar al evento, el actor estadounidense Tom Hanks (voz de Woody) se asomó unos segundos por encima de una de las vallas que rodeaban el perímetro de la alfombra, desatando la locura entre los asistentes y los curiosos que intentaban -sin éxito- captar con sus móviles algo de lo que ocurría en el interior.

     

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    Junto a él, también acudieron a Londres el actor y cómico Tim Allen (Buzz Lightyear), la actriz Joan Cusack (Jessie); el director del filme, Andrew Stanton y la nueva incorporación a la franquicia, la estadounidense Greta Lee, que da vida a Lilypad, una tableta electrónica.

    La sala del cine Odeon de Leicester Square se transformó, por un momento, en la habitación de todos esos niños que han protagonizado las películas cuando Hanks pronunció su mítica frase: «¡Alguien viene!» y, como los juguetes a los que encarnan en la pantalla, se quedaron inmóviles en sus sillas.

    «Cuando vi esta frase la primera vez, sentí que resumía toda la lógica de este universo. Nadie preguntará, porque no hay nadie que piense que cuando abandonamos la habitación, todos los juguetes se levantan y hablan de nosotros. Y sí, sí que lo hacen», comentó el actor durante un coloquio previo a la presentación.

    En este sentido, Hanks contó que, cuando va con sus nietos a Disneyland y ve a Woody bailando con otros personajes del universo Disney se siente «una de las personas más afortunadas del mundo» y parte de «una maquinaria de alegría infinita».

    Allen, por su parte confesó que la parte inicial de este quinto filme era su favorita y le había convertido en el «fan más feliz» de Buzz Lightyear: «Cuando comience la película, van a ver cómo ponen más Buzz en esta historia, y diría que más divertido».

     

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    Una batalla contra la tecnología

    ‘Toy Story 5’ regresa a la casa de la pequeña Bonnie, cuyos padres, en un intento por ayudarla a socializar con otras niñas de su edad, le compran una tableta electrónica Lilypad, que amenaza con acaparar toda la atención con su pantalla y eclipsar a los juguetes tradicionales, en una especie de un pulso entre lo analógico y lo digital.

    «Es verde, tiene brazos pequeños y es alguien que quizás al inicio tiene una relación antagónica con el grupo de juguetes que conocemos y amamos tantos, pero hay algunos giros sorprendentes», advirtió Lee sobre el nuevo personaje.

    También se vislumbra cómo el personaje de la muñeca cowboy Jessie adquiere un papel mucho más protagónico, pues la cinta sigue sus aventuras y también profundiza algo más en sus orígenes.

    Además de Lilypad, hay otros juguetes nuevos en esta quinta entrega, como la Pizza con gafas, a la que pone voz -con diálogos en español- el cantante puertorriqueño Bad Bunny en un pequeño y divertido cameo.

    Tras el adelanto de 45 minutos, que dejó al público londinense con la miel en los labios, cabe preguntarse qué será lo que ocurre en el resto de la cinta y por qué se debe mantener por ahora en secreto, pero la respuesta tendrá que esperar hasta el próximo 17 de junio, cuando llegue a los cines de España, o un día más tarde, en el caso de Latinoamérica.

     

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  • «Operación Triunfo» llega a EE.UU. en busca de la próxima estrella latina

    «Operación Triunfo» llega a EE.UU. en busca de la próxima estrella latina

    Veinticinco años después de revolucionar la televisión y la industria musical en España, «Operación Triunfo» (OT) prepara su desembarco en Estados Unidos de la mano de Telemundo, que estrenará a principios de julio la primera edición del formato en el país con la promesa de encontrar a «la próxima estrella latina».

    «Estamos convencidos de que por eso se llama ‘Operación Triunfo’ y que en esta edición va a salir la próxima estrella latina de los Estados Unidos», afirma a EFE Javier Pons, director de contenidos de Telemundo y jefe de Telemundo Studios, en plena recta final de unas audiciones que decidirán a los 20 aspirantes que disputarán la ‘Gala 0’.

    El estreno coincide con el aniversario 25 de este concurso que, en palabras de Pons, «no solo revolucionó la televisión, sino el mundo de la música», y catapultó a artistas como David Bisbal, Lola Índigo o Aitana.

    El canal hispano apuesta por este formato para «refrescar la parrilla» y reforzar su vínculo con un público que pedía una nueva propuesta musical, en medio del auge de la música latina, «la que más crece en el mundo», con unos ingresos de 1,400 millones de dólares (unos 1,200 millones de euros) en 2024, el 8.1 % del total generado en Estados Unidos, según datos facilitados por Telemundo.

    Un formato «nuestro» para el público hispano

    Para Adrián Santucho, vicepresidente sénior de Prime Time y Plataformas de Telemundo, la «gran ventaja» de ‘Operación Triunfo’ frente a otros formatos como «X Factor» o «Got Talent» es su raíz hispana.

    «Este es nuestro. Los participantes que se convirtieron en artistas son nuestros y son reales para los chicos. Son tangibles», sostiene. «A veces, querer ser Billie Eilish es complicado para un hispano. Pero querer ser Lola Índigo o David Bisbal es más cercano», añade.

    La mecánica replicará la esencia del original: una academia donde los concursantes conviven, se forman y se enfrentan cada semana a una gala en directo con jurado e invitado musical.

    «Operación Triunfo tiene la capacidad de tener el reality 24/7, y eso es un desafío adicional para nosotros: enfrentarnos a la televisión en vivo todos los días», explica Santucho. El contenido se distribuirá en «una estrategia 360» con galas en línea, canal directo permanente y presencia en redes sociales.

    El programa se producirá en los estudios de RCN en Colombia, gracias al incentivo fiscal del país, y las galas se emitirán en directo con participantes hispanos residentes en Estados Unidos.

    La propiedad intelectual pertenece a Reset TV, productora fundada por Josep Maria Mainat y el fallecido Toni Cruz, creadores de la mítica Gestmusic, y que hoy codirigen Adrià Cruz y el propio Mainat.

    «Es el mismo OT, con puntos clave un poco más repartidos y con más carga de trabajo, pues pensamos que ahora los concursantes vienen mucho más preparados. Pero la esencia es la misma: disciplina y esfuerzo en una academia de alto rendimiento», afirma Mainat.

    «Estamos en constante comunicación con los creadores para tratar de hacer una adaptación lo más fiel posible, pero adaptada a nuestro mercado», añade Fernando Lorente, productor ejecutivo de Telemundo. «Si lo desgranas con detalle, no son tantas las diferencias en el espíritu y en la esencia del formato», asegura.

    Fotografía del 16 de mayo de 2026 que muestra el logo de Operación Triunfo durante las audiciones finales del programa en los estudios de Telemundo en Doral, Florida (Estados Unidos). EFE/ Antoni Belchi

    Diversidad de candidatos hispanos

    Lorente subraya que buscan mostrar la diversidad de la cultura hispana en EE.UU. en unos candidatos con un «talento natural que todavía no saben canalizar» y con un «potencial de crecimiento».

    «No buscas gente que ya está perfecta en la primera gala. Buscas gente con potencial para moldearla y que se convierta en la estrella que ella misma quiere ser», apunta.

    En el último tramo de las audiciones, hay voces tan diversas como la de la cubana Sabrina González, residente en Miami (Florida) desde hace cuatro años. «En Cuba llegué a ver la audición de David Bisbal. Nunca me esperé que pudiéramos tener esta oportunidad aquí en Estados Unidos», dice la aspirante.

    Por su parte, el dominicano Juan de Santa Ana está convencido de que «este es el mejor concurso que hay ahora mismo y que nos va a hacer grandes», mientras que para el colombiano Juan Nieves «esta plataforma es como una oportunidad para llegar a tantas personas».

    Fotografía del 16 de mayo de 2026 del equipo técnico de Telemundo durante las audiciones finales del programa Operación Triunfo en Doral, Florida (Estados Unidos). EFE/ Antoni Belchi
  • La emoción se impone y Madrid abraza el delirio con Amaia Montero y La Oreja de Van Gogh

    La emoción se impone y Madrid abraza el delirio con Amaia Montero y La Oreja de Van Gogh

    Ante el reencuentro de Amaia Montero con La Oreja de Van Gogh, Madrid venía a vivir una fiesta de la memoria y a abrazar el empeño por levantarse de un ídolo caído en un delirio colectivo en el que la emoción ha cantado mucho más alto que la necesidad de precisión.

    Transcurridas casi tres semanas del estreno de esta gira en Bilbao, los vídeos que delataban algunas desafinaciones y los consiguientes debates públicos sobre si la artista estaba a la altura del reto, tocaba comprobar cuánto hubo de espejismo, cuánto de fallo puntual.

    Huelga decir que la expectación era máxima: tres noches con todo vendido en el aforo máximo del Movistar Arena dan cuenta de ello. Es el colofón natural a la telenovela en la que se vio inmerso el grupo español de mayor éxito comercial de este siglo y, hasta hace no mucho, el que tenía una imagen más blanca.

     

    No ayudaron ni los rumores ni la manera en que se resolvió la vuelta de Montero al grupo, tras la salida forzosa de Leire Martínez, quien fue su sustituta durante 17 años y sostuvo vocalmente a la banda hasta poder alcanzar el 30 aniversario que viene a celebrar esta gira.

    Con el público dividido entre quienes conocieron las canciones de «La Oreja» cantadas por una u otra como un acto de lealtad, cabe reconocer la excitación por volver a escuchar el grueso de este repertorio de éxitos interpretados por la voz que las dejó grabadas a fuego en el imaginario general.

    A eso hay que añadir que, desde su primer sencillo, «El 28», este conjunto de San Sebastián ya dejó asentada su idiosincrasia como artefacto predispuesto para la nostalgia, que ensalzaba la memoria y la forma en la que esta le curva todas las asperezas a lo vivido: «Y paseé por mi mente y encontré / Aquel rincón que te dejé / Donde guardo los momentos que no olvidé».

    Desde ahí es fácil entender la entrega de más de 15,000 personas, especialmente cuando las notas caen en su sitio con esa voz y se activan los resortes de la ilusión, como si el tiempo no hubiese pasado.

    «No tenéis ni idea de las veces que hemos soñado con esto y el regalo tan maravilloso que es estar aquí con vosotros», ha declarado la artista en un momento del concierto, suscribiendo que para Amaia Montero, tras su propio periplo mental, esto es una victoria enorme.

     

    Rodeada por sus excompañeros-de-nuevo-compañeros-y-amigos Xabi San Martín (teclado), Álvaro Fuentes (bajo) y Haritz Garde (batería), con Luis Meyer a la guitarra en ausencia de Pablo Benegas en esta gira, la cantante es probablemente la persona que más disfruta, risueña, despreocupada, jugando con el público a repetir unos melismas imposibles que en su cabeza probablemente suenan mejor.

    Porque este concierto solo puede funcionar como una ilusión sostenida colectivamente. El momento más simbólico es cuando emerge al inicio a través de una plataforma en mitad del escenario, una metáfora de ascensión que el público abraza entusiasmado, como cuando después, durante «El último vals», uno de los temas problemáticos en Bilbao, subraya una nota sostenida con vigor y se celebra como un gol.

    En honor a la verdad, a Montero se le olvida la letra en varias ocasiones, deja caer el volumen que imprime a la música en varias ocasiones como si perdiera el interés en acabar las frases y, pese a unos coros que suenan altos como colchón, su garganta no ofrece la flexibilidad de antaño.

    «¡Os habéis ido de tono!», llega incluso a reprender con humor y sorna a un público cómplice que, después de cantar «Rosas», no duda en gritarle: «Amaia, Amaia, ¡te quiere todo el mundo!».


    Poco queda de la mujer asustada que, tras años de ostracismo público y de recuperación, reapareció junto a Karol G en 2024 para cantar esa misma canción en el estadio Santiago Bernabéu en loor de multitudes.

    La Oreja de Van Gogh ha acumulado tantos éxitos a lo largo de estos 30 años que el repertorio, a pesar de las numerosísimas y anticlimáticas paradas entre tema y tema, hace que todo se mantenga a flote y en muchas ocasiones rebose desde que el concieto arranca con «20 de enero» y un mar de brazos en alto.

    Que esto es una fiesta colectiva lo prueban las múltiples ocasiones en las que el colosal fondo de pantallas pincha la imagen del público, colgado entre abrazos de amigos que entonan juntos y a viva voz canciones como «París», «La playa», «Pop», «Soledad» o «Puedes contar conmigo», ya al final, tras casi dos horas de música.

    Poco antes, en otra de las más aclamadas, «Cuídate», Montero se agacha hacia la gente como para darle más cuerpo a sus palabras, mientras señala el escenario y canta lo que bien podría ser la conclusión de todo esto: «Tú cuídate, aquí yo estaré bien».