Ante un mundo convulso y agitado, los Rolling Stones han querido poner un poco de cordura y furia en estos tiempos revueltos. Esaes la primera sensación que los mortales podemos tener al escuchar su próximo álbum, «Foreign Tongues», a la venta el 10 de julio, un trabajo de 14 canciones con muy poco desperdicio y mensajes con sustancia.
Han pasado solo tres años del lanzamiento del gamberro «Hackney Diamonds», y tras la escucha completa de «Foreign Tongues», se comprueba que sus Satánicas Majestades tienen mejor salud, más vitalidad, sarcasmo y crítica global que en sus primeros tiempos, hace ya más de 60 años. También, sobra decirlo, más años y más dinero.
Los dos primero temas publicados fueron un sabroso aperitivo de lo que viene. El primer single –»In the Stars»- con un ‘riff’ potente, un estribillo pegadizo y una voz de Jagger pletórica, anunciaba cosas buenas. El segundo, «Rough and Twisted», confirmaba que los verdaderos roqueros nunca son viejos – aunque hayas vivido como Keith Richards – y recordaba que, cuando suena una armónica afilada, el diablo está cerca y con ganas de pinchar con el tridente.
Tanto es así que canciones como «Mr.Charm», un tema simpático y bailongo, aparentemente inocente, retumba la frase «el magnate loco Sr. Musk», en referencia al dueño de X entre otras muchas empresas, mientras en el estribillo puede confundirse el encantador «Charm» con el presidente Trump.
Más referencias al amigo americano se encuentran en la notable y trepidante «Divine Intervention» -lanzada hace apenas unas horas junto con «Jealous Lover»-, donde un paseo por la ciudad de Nueva York te puede confundir en un juego de apuestas. Y cuenta como guitarrista colaborador al recuperado Robert Smith, el líder de The Cure.
La crítica más clara al nuevo Estados Unidos viene desde la admiración y el consiguiente desencanto en la canción «Ringing Hollow». En modo country rock, el tema parece un lamento que se inicia con un Jagger cantando «Vi todas tus películas/Fume tus cigarrillos», en referencia a la cultura estadounidense, y que acaba en unos soñadores que se pasan fentanillo y cocaína mientras la estatua de la Libertad no se encuentra muy feliz.
Homenaje al pasado o testamento
El álbum de estudio número 25 también recuerda momentos memorables de la banda británica. Por ejemplo, en la canción ‘Jealous Lover’, un tiempo medio para bailar suelto pero amarrado, donde Jagger destila una voz en falsete que ya hizo memorable en la legendaria ‘Emotional Rescue'(1980).
También hay que mencionar el tema «Never Wanna Lose You» que recupera esas líneas de bajo de cuando los Stones coqueteaban con el funk y todos éramos más jóvenes.
En este repaso al pasado, hay preguntas que pueden hacer estallar la cabeza: ¿cómo es posible que unos octogenarios – Keith y Mick – tengan la capacidad de componer y tocar la canción «Hit Me in the Head»? La Inteligencia Artificial (IA) tiene respuestas para todo y justifica este milagro de la naturaleza con frases como ‘química compositiva indestructible’ o ‘maquinaria física y médica privilegiada’. Todo muy educado pero sin sangre.
Por lo menos, la tecnología ha servido para incluir en este tema la batería grabada por el fallecido Charlie Watts.
De colaboradores vivos hay que mencionar también a sir Paul McCartney (al bajo en ‘Covered in you’), Steve Winwood y Chad Smith, de Red Hot Chili Peppers.
En el capítulo de homenajes, la banda de los labios rojos nos ofrecen dos sorpresas: una curiosa versión de la canción de Amy Winehouse «You Know I’M No Good», y una interpretación de «Beautiful Delilah» del maestro Chuck Berry al más puro estilo del sur de Estados Unidos.
No hay que olvidar como destacable un Keith Richards cantando la balada «Some of Us», donde se muestra sincero y mirando al pasado sin ira, olvidando los malos efectos de las drogas como se destaca en otro de los temas: «Side Effects».
Producido por Andrew Watt , que estuvo también detrás de las teclas en el anterior álbum, y grabado durante un mes en los estudios Metropolis en Londres, los históricos Mick Jagger, Keith Richards y Ronnie Wood vuelven a la carga con bastante furia y buenas composiciones.
Este rutilante regreso, sin embargo, deja varias preguntas sobre la mesa: ¿estamos ante el testamento de los Stones? ¿es la excusa para una nueva gira mundial? ¿acabarán con el imperio musical de Taylor Swift? Posiblemente, la respuesta está ya disponible en el departamento de marketing de sus Satánicas Majestades.
El reconocido productor, compositor y ejecutivo musical Gaby Music vuelve a romper esquemas con el lanzamiento de “Quiero verte”, una poderosa colaboración junto a Yandel, El Bogeto y Luis R Conriquez, disponible en todas las plataformas digitales.
La canción reúne a tres de las figuras más importantes de la música latina actual en una propuesta que conecta el reggaetón global, el sonido urbano mexicano y el regional contemporáneo, creando una combinación explosiva destinada a convertirse en uno de los lanzamientos más comentados del verano.
La expectativa comenzó a crecer en redes sociales luego de que Yandel compartiera un adelanto del lanzamiento, revelando la fecha de estreno y provocando miles de reacciones entre sus seguidores. Desde entonces, la conversación alrededor de la colaboración no ha dejado de aumentar.
Detrás de esta unión se encuentra Gaby Music, una de las figuras más influyentes de la industria musical latina durante la última década. Ganador de múltiples reconocimientos internacionales, ha participado en algunos de los éxitos más importantes de la música en español, incluyendo “Despacito”, “Dura”, “China”, “Taki Taki”, “La noche de anoche” y “Despechá”, colaborando con artistas como Daddy Yankee, Bad Bunny, Ozuna, Rosalía, Wisin & Yandel, Luis Fonsi, Anuel AA y muchos más.
Además de su exitoso trabajo como productor, Gaby Music ha consolidado una sólida carrera como artista.
Temas como “No te quieren conmigo”, que supera los 265 millones de reproducciones en Spotify, y “Soltera”, con más de 186 millones de streams, reflejan el alcance global de su proyecto musical y su capacidad para conectar con audiencias de diferentes generaciones.
El grupo surcoreano BTS llegó este viernes al Estado Riyadh Air Metropolitano de Madrid con su tour mundial y tras el parón del grupo por el servicio militar con el que según Billboard sus integrantes y el sello discográfico del que forman parte -BigHit/Hybe- podrían llegar a ganar por esta gira más de mil millones de dólares.
En declaraciones a Europa Press, varios expertos han reflexionado sobre el por qué del éxito global de esta banda y lo que significa para Corea del Sur.
BTS es el acrónico de ‘Bangtan Sonyeondan’, es decir, ‘Beyond the Scene’ o ‘Más allá de la escena’. Cuenta con siete integrantes: Jin, SUGA, j-hope, Jimin, V, Jung Kook y el líder del grupo, RM. Desde su début en junio de 2013, la banda ha sacado al mercado más de 30 álbumes entre álbumes de estudio, sencillos y EPs y recopilatorios.
En la actualidad, la banda tiene más de 37 millones de oyentes mensuales en Spotify y ocupa el doceavo lugar en la lista de artistas más escuchados de la historia de la plataforma. Rompe récords de manera habitual, en gran parte gracias al entusiasmo de sus fans (las ARMY) y acumula además una larga lista de victorias en premios internacionales.
Al margen de ello, sus integrantes también han aprovechado su fama para posicionarse en favor de ciertas causas. Por ejemplo, el grupo se asoció con UNICEF para su campaña ‘Love Myself’ contra el abuso de niños y adolescentes y recurrentemente toca el tema de la salud mental tanto en sus canciones como en las intervenciones públicas de sus miembros.
Trascienden fronteras
El periodista Hark-Joon Lee, uno de los autores de ‘K-Pop idols: cómo se fabrica un género global’ (Editorial Malpaso), indica que hoy en día se podría considerar a BTS como «embajadores culturales» de Corea del Sur y del K-Pop, si bien ni los miembros «buscaron este papel» en un principio ni el gobierno coreano los creó con ese propósito.
«Aunque BTS representa a Corea del Sur, es también un grupo global que trasciende las fronteras nacionales», ha incidido en declaraciones a Europa Press.
A su juicio, «no cabe duda» que el grupo «se benefició del sólido programa de formación, la puesta en escena, la producción visual, el contenido digital y la comunicación con los seguidores que la industria del K-Pop había desarrollado a lo largo de muchos años». Sin embargo, la banda «aportó algo propio», participando activamente en la creación de su música. Asimismo, mantienen una comunicación «directa y constante» con los fans.
«El sistema del K-pop contribuyó a crear a BTS, pero BTS también ayudó a transformar dicho sistema. Considero que, incluso sin BTS, habría terminado surgiendo una estrella mundial del K-Pop; no obstante, es probable que el proceso hubiera llevado mucho más tiempo», ha explicado.
El periodista cree que es «probable» que los miembros experimentaran «parte del control y la presión habituales en la industria» –lado oscuro que también aborda en el libro, en el que sigue el caso del grupo Nine Muses–. Sin embargo, también opina que hoy en día sería «muy difícil» que tuvieran el mismo trato. «Ahora poseen un poder de negociación y una autoridad creativa mucho mayores», ha resaltado.
Aún así, incide en que esta «mayor libertad» no implica una menor presión y que, al gozar de tanta fama, «un error menor» por parte de los miembros puede llegar a convertirse en una «controversia internacional». En este sentido, establece un paralelismo con las estrellas de Hollywood y los deportistas de élite mundial. «La forma puede variar, pero todo ello forma parte del sistema global de estrellas», ha aclarado.
De manera más general, Hark-Joon Lee explica que él no cree que el K-Pop sea un género musical «fijo», sino que lo define más como «un fenómeno cultural único» que «combina formación, actuaciones, moda, vídeos musicales, narración de historias, contenido digital y una participación activa de los seguidores».
«Para mí, uno de los aspectos más significativos del ‘Hallyu’ (la ola coreana) es que la cultura de un país pequeño puede llegar a todo el mundo. Esto demuestra que la cultura popular global puede volverse más diversa. La próxima gran ola cultural podría provenir de la India, el Sudeste Asiático, Oriente Medio, África o cualquier otro país pequeño. En este sentido, el K-Pop no representa únicamente un éxito coreano; constituye también un ejemplo importante para otras culturas no occidentales y de menor tamaño», ha indicado.
Marca: Corea del Sur
Por su parte, el director del Máster en Marketing Digital de la Universidad Europea de Valencia, Chema Lamirán, ha opinado que se puede considerar «al 100%» a los integrantes del grupo como embajadores culturales de Corea del Sur.
«En marketing esto se llama Brand Equity (valor de marca). BTS no vende solo música; vende el estilo de vida coreano. Logran algo muy importante, que ningún diplomático consigue: conexión emocional. Hacen que millones de jóvenes quieran aprender coreano, comer su comida y viajar al país de forma orgánica. Al igual que durante estos días EEUU vende ‘su mundial’, Corea vende su estilo de vida Kpop donde BTS son el mejor exponente», ha señalado.
En líneas generales, hace referencia a cómo el gobierno coreano decidió, tras la crisis de 1997, que la cultura sería «su principal producto de exportación». Para ello, creó agencias públicas (como el KOCCA) para financiar la música y los K-dramas, y diseñaron incentivos fiscales para rodar allí. «El gobierno pone el dinero y la infraestructura; las empresas privadas ponen el talento. Es una alianza público-privada perfecta, que redunda en el valor de Brand-equity de la marca Corea del Sur», ha detallado.
Cultura coreana
Desde el Centro Cultural Coreano también consideran que los integrantes de BTS pueden ser considerados como embajadores culturales de Corea del Sur e indican que el grupo ha sido «una de las grandes puertas de entrada a la cultura coreana para muchísimas personas».
Así, inciden en el papel del público «mayoritariamente joven» que, a raíz de la banda, termina interesándose por el idioma, la historia, el cine, la gastronomía o las tradiciones de Corea, fenómeno que ven reflejado en iniciativas como el Concurso K-Pop en España, un concurso gratuito que el centro celebrará el próximo 5 de julio a las 12:00 horas en el Teatro Gran Vía con un jurado conformado por Howon y Aaron, miembros de la banda W24, y Nob, bailarina de Ladybounce.
A su vez, señalan que Corea del Sur lleva «años» desarrollando sus industrias culturales y apostando por la creatividad y la calidad de producción. Además, apuntan a fenómenos como la expansión de las plataformas digitales y el interés de públicos de todo el mundo, que a su juicio ha facilitado que las propuestas culturales coreanas «lleguen a audiencias cada vez más amplias».
«Series como ‘El juego del calamar’, grupos como BTS o producciones de animación como ‘K-Pop Demon Hunters’ son solo la parte más visible de un fenómeno mucho más amplio. Cada vez más personas descubren Corea a través de la música o las series y, a partir de ahí, se interesan por otros aspectos de su cultura», han explicado.
En este sentido, transmiten que les gustaría que el público español siguiera explorando ese universo. «Corea ofrece también una gastronomía muy diversa, un rico patrimonio histórico, una literatura cada vez más traducida, un cine reconocido internacionalmente y una escena artística contemporánea en constante evolución. También cuenta con una rica tradición musical, desde la música clásica hasta géneros tradicionales como el ‘gugak’, que merece mucho más reconocimiento fuera de Corea», han detallado.
La cantante colombiana Karol G publicó una carta abierta dirigida al presidente electo de Colombia, Abelardo de la Espriella, en la que le pidió gobernar para todos los ciudadanos, escuchar a quienes respaldaron su candidatura y también a quienes votaron por otras opciones políticas.
El mensaje fue difundido en sus redes sociales una semana después de la segunda vuelta presidencial. La artista aclaró que escribió la carta no como simpatizante u opositora, sino como una ciudadana preocupada por el futuro de su país.
«No escribo como simpatizante, ni como opositora. Escribo como una colombiana que ama profundamente su país», expresó la intérprete, quien afirmó que la etapa electoral ya terminó y que ahora comienza el verdadero desafío de gobernar.
Karol G recordó que el presidente electo obtuvo el respaldo de 12.9 millones de colombianos, mientras que otros 12.7 millones apoyaron al candidato de izquierda Iván Cepeda, por lo que insistió en que todos comparten el deseo de construir un país más seguro, justo y con mayores oportunidades.
La artista exhortó a De la Espriella a escuchar también a quienes no votaron por él y le pidió ejercer un gobierno incluyente, enfocado en el bienestar de toda Colombia y no únicamente de un partido o sector político.
«Quiero pedirle que recuerde, todos los días, que el poder que hace una semana recibió no es un trofeo, no es un premio, es una responsabilidad», escribió la cantante en uno de los pasajes centrales de su mensaje.
En la parte final de la carta, Karol G sostuvo que Colombia necesita dirigentes capaces de unir al país mediante decisiones valientes y resultados concretos, en lugar de profundizar las divisiones políticas.
«Porque al final ningún presidente gana cuando gana una elección… Un presidente gana cuando gana su pueblo», concluyó la artista, quien manifestó su deseo de que al finalizar el mandato los colombianos puedan reconocer que el nuevo gobernante estuvo a la altura del compromiso asumido.
La Casa Editorial Maucci fue fundada en la ciudad condal de Barcelona (Cataluña, España) en 1892. El italiano Emanuele Maucci Battistini (Parana, comuna de Mulazzo, provincia de Massa y Carrara, 1850-Barcelona, abril de 1937) fue el responsable de la operación. Hijo de Domenico Maucci, vendedor ambulante en Francia, y de Brigida Battistini, perdió a su padre en edad temprana y, según la consolidada tradición ambulante de la Lunigiana toscana, se entregó desde muy joven al comercio del libro.1
En 1868 inició su primera aventura ultramarina con destino a Buenos Aires (Argentina), donde lo esperaba su tío Giacomo, que había abandonado Parana quince años atrás. En la ciudad de La Plata trabajó como obrero en la construcción de carreteras y ferrocarriles y como vendedor ambulante de libros. En 1872, atraído por las favorables condiciones que ofrecía el gobierno de Domingo Faustino Sarmiento a los inmigrantes europeos, regresó a la capital porteña y abrió una librería en la plaza Lavalle, con notable éxito. Pronto se le sumaron varios hermanos y primos —Luigi, Carlo, Battista, Giacomo y Alessandro—, que con el tiempo conformarían la sucursal Maucci Hermanos de la localidad bonaerense.2
En 1885, Maucci dejó el negocio porteño en manos de su primo Giacomo. Tras un viaje a Italia, se trasladó a Barcelona, donde abrió un depósito de libros y emprendió una primera tentativa editorial, frustrada por la competencia de las firmas españolas que dominaban el mercado peninsular. En 1889 partió a México. En esa capital montó una nueva librería y trabajó como librero y editor. En 1892 confió esa casa mexicana a su cuñado y primo Alessandro Maucci, futuro responsable de la sucursal Maucci Hermanos México y emprendió el retorno al puerto catalán para iniciar la tercera fase de su negocio. Las redes familiares previas en Buenos Aires y ciudad de México le resultarían decisivas para tejer una densa malla de comercialización transatlántica.3
Instalada al inicio en los números 226-228 de la calle barcelonesa de Mallorca, a poca distancia de la obra recién emprendida de la Sagrada Familia, la empresa editorial de Maucci se especializó en un doble producto. Por un lado, ediciones encuadernadas en tela, con papel cuidado e ilustraciones, dirigidas a bibliotecas privadas e instituciones y a un público selecto. Por otro lado, libros baratos, impresos a menudo en papel periódico, de grandes tirajes y precios ínfimos, destinados al consumo masivo en España y, sobre todo, en las repúblicas hispanoamericanas, donde la oferta editorial local aún era escasa o inexistente, apenas cubierta por sellos locales o por grandes firmas como la división hispanoamericana de la estadounidense D. Appleton & Cía. Esa política convirtió pronto a Maucci, en palabras del bibliógrafo catalán Manuel Llanas, en «una fortaleza económica del papel impreso y en una auténtica pesadilla para la competencia».4
El despegue se afirmó en 1901. El edificio de la Casa Manuel Maucci fue inaugurado en ese año en los números 166-168 de la calle Mallorca. Su diseño y construcción fueron obra del maestro catalán de obras Josep Granier i Prat (1844-1930), quien ideó un innovador complejo de modelo horizontal capaz de unificar en una sola manzana toda la actividad de la gran empresa editorial. Esas instalaciones estaban pensadas para sostener la masiva exportación de libros hacia América y se dividían, de manera funcional, en dos grandes áreas. La primera era de carácter industrial y albergaba la imprenta, el taller de encuadernación, los almacenes de papel y el departamento de envíos. La segunda correspondía al ámbito residencial y administrativo, porque reunía las oficinas de la compañía con el chalé familiar y privado de Emanuele Maucci, el fundador. Como apunte histórico destacado dentro del patrimonio modernista catalán, cabe mencionar que Granier i Prat intervino el edificio dos décadas después, en 1921, para dotarlo con una fachada de estilo modernista.
Guarda a colores del catálogo editorial de la Casa Maucci en 1929, adornada con los rostros de algunos de sus principales autores clásicos editados (izq), Portada de la edición castellana de los cuentos del estadounidense Edgar Allan Poe, publicada por la casa barcelonesa Maucci. Nótese el nombre castellanizado (c) y Portadilla y guarda a colores del Parnaso de Bolivia (der).
Desde 1902, la editorial incorporó fondos enteros adquiridos a otras firmas editoriales, como las de Daniel Cortezo y de Eduard Domènech i Enric. En 1906 abrió una sucursal en Madrid, en la calle de Espoz y Mina, que puso al cuidado de su hijo Domingo. La empresa cosechó numerosas medallas de oro en certámenes internacionales, como Viena (1903), Madrid y Budapest (1907), Londres y París (1913), Buenos Aires (1910). A ese palmarés sumaron la medalla de oro del Ateneo de Lima (1900) para el sello Maucci Hermanos de México y la medalla de plata en la Exposición de Turín (1911) para Maucci Hermanos de Buenos Aires.5
Hacia 1935, su catálogo, de unas 250 páginas, alcanzaba unos 2,500 títulos de casi mil autores, distribuidos en más de cuarenta colecciones, todas en lengua castellana. La ficción ocupaba casi tres cuartas partes del fondo editorial; el resto repartía obras de filosofía y sociología de ideologías comprometidas (con autores como Reclus, Kropotkin, Nettlau, Proudhon, Voltaire, Stuart Mill, Spencer, Jaurès), libros de espiritismo y magia, traducciones literarias de autores de múltiples lenguas (incluido el japonés), materiales escolares, diccionarios, gramáticas y publicaciones afines a la Escuela Moderna de Francisco Ferrer i Guàrdia. Entre los italianos publicados, los nombres más frecuentes fueron Dante, Boccaccio, De Amicis, Fogazzaro, Motta y Salgari, pero el récord de tiradas con 138 títulos correspondió a Carolina Invernizio, la reina del folletín italiano.6
La fortuna comercial de la casa Maucci se cimentó en la extensa red de sucursales abierta por hermanos, primos y sobrinos del fundador en Buenos Aires, México, Lima, La Habana y Montevideo, con capacidad no solo de distribución sino también de impresión. La portada del libro Historia negra de Juan de Urquía (1899) ya mostraba la marca tripartita característica de la casa: Casa Editorial Maucci: Barcelona; Maucci Hermanos: Buenos Aires; Maucci Hermanos: México.
Esa estructura le permitió a Maucci colocar libros en lengua castellana en mercados donde apenas existían editoriales locales y responder con agilidad a la demanda americana. La intuición del fundador, según resumió su hermano Juan Bautista tras su muerte, consistió en producir «la edición modesta, económica, que adquiere presuroso, apenas puesta a la venta, el humilde hijo del pueblo para satisfacer sus legítimos anhelos de cultura».7
Imagen retocada con la IA Gemini de Google del mausoleo del fundador de la Casa Maucci, en el cementerio patrimonial de Montjuic, en el perímetro urbano de Barcelona.
Durante la Guerra Civil española, la empresa fue incautada por la editorial anarquista Tierra y Libertad. En 1939, los herederos del fundador recuperaron la propiedad y la mantuvieron activa, pero en un tono mucho menor y con reediciones de parte del fondo antiguo, hasta su desaparición en 1966.8
Para la historia literaria centroamericana, y en especial para la salvadoreña, el vector decisivo de la presencia de Maucci fue la serie de Parnasos nacionales que la casa publicó durante las primeras décadas del siglo XX. Se trataba de antologías de poesía concebidas como representaciones de casi todas las repúblicas hispanohablantes —Argentina, Bolivia, Chile, Colombia, Costa Rica, Cuba, Ecuador, Guatemala, México, Nicaragua, Panamá, Perú, Puerto Rico, República Dominicana, El Salvador, Uruguay, Venezuela, además de las Antillas y Filipinas—, destinadas en buena medida a su venta en los propios países antologados.9
Como han subrayado el académico Martin Leona y, en el ámbito centroamericano, el costarricense Carlos Manuel Villalobos, la colección operó como réplica comercial e ideológica frente a la Antología de poetas hispano-americanos de Marcelino Menéndez Pelayo (Madrid: Sucesores de Rivadeneyra, 1893-1895), encargada por la Real Academia Española con motivo del IV Centenario y marcada por una óptica hispanocéntrica. Los «parnasos» de Maucci daban voz a compiladores y poetas locales y, a la vez que llenaban los huecos del corpus reunido por el erudito y selectivo Menéndez Pelayo, se prestaban a una lectura emancipadora del canon poético americano.10
Guarda de la edición príncipe de la autobiografía de Rubén Darío.
En esa serie se inscribió el Parnaso salvadoreño. Antología esmeradamente seleccionada de los mejores poetas de la República del Salvador, compilado por Salvador Leiva Erazo (1883-1963), que la Casa Editorial Maucci publicó en Barcelona en un volumen de 303 páginas, en edición con tapas de lujo y una sobreguarda con solapas que presentaba en colores cromolitografiados el retrato del compilador y el nuevo escudo nacional adoptado en 1912. De estilo editorial Art Nouveau, la tapa dura principal o cubierta, de color rojo, era de lino gofrado, lo cual confería un aspecto táctil al diseño, destacado por un amplio adorno floral estilizado que recorría el borde izquierdo en un tono oscuro y servía de marco asimétrico. El título y el nombre del compilador aparecían impresos en una tipografía con serifas de estilo clásico y acabado dorado, centrados en el espacio libre a la derecha. El uso de la estampación y los ornamentos tipográficos o florones, debajo del nombre del autor salvadoreño y del título, reforzaba la estética decorativa y añadía un toque de distinción al volumen, con una portada funcional y de estética coherente con su fecha de publicación. La contratapa también era de lino gofrado, material asimismo presente en el lomo estampado.
Sin explicación aparente, ciertos ejemplares del Parnaso salvadoreño llegaron a las 318 páginas —tal es el caso del que conserva la Biblioteca Robarts de la Universidad de Toronto, hoy digitalizado en Internet Archive—. Cabe señalar que toda la edición tuvo problemas bibliográficos como ese y otros de datación. Las portadas y portadillas, tanto de la edición rústica como de la de lujo, aparecieron sin año de publicación, y los catálogos comerciales lo fecharon en 1910, 1912, 1915, 1916 o 1917. La investigación del académico costarricense Dr. Carlos Manuel Villalobos sobre las catalogaciones literarias en Centroamérica situó la edición en 1917, con 34 poetas y 164 poemas, datos hoy aceptados como referencia académica de la pieza.
Ese volumen fue la segunda gran antología panorámica de la poesía salvadoreña tras la Guirnalda salvadoreña (San Salvador, Imprenta Nacional, 1884-1886) del nicaragüense Román Mayorga Rivas (1862-1925) y se convirtió en un eslabón canónico entre ella y el Parnaso migueleño de Juan Romero (1942) y las Cien de las mejores poesías líricas salvadoreñas del educador Francisco Espinosa (1951). Dentro de la propia serie barcelonesa, el Parnaso salvadoreño se sitúa entre el Parnaso nicaragüense de Alberto Ortiz (Maucci, 1912; 253 pp., 137 poetas y 30 poemas) y el Parnaso costarricense de Rafael Bolívar Coronado (Maucci, 1921; 207 pp., 15 poetas y 89 poemas), con los que comparte criterios de selección, diseño material y vocación de mercado.
01) Carta membretada y autógrafa de Manuel Maucci para el intelectual peruano Ricardo Palma, fechada en la ciudad de Barcelona, en marzo de 1906 (izq.). 01) La Casa Maucci también tradujo y publicó a varios autores del Japón, China, India y otros lugares exóticos para el público lector hispanoamericano (der).
Los autores salvadoreños que ingresaron al catálogo de Maucci a través de esta antología cubren desde la independencia hasta la generación que empieza a publicar en los albores del siglo XX, es decir, toda la nómina fundacional de las letras del país. Leiva Erazo abrió su antología con voces preindependentistas y postindependentistas —Enrique Hoyos, Ignacio Gómez, Carlos Bonilla, Doroteo José Guerrero y Miguel Plácido Peña—, continuó con los románticos de mediados del siglo XIX —Juan José Cañas, Joaquín Méndez, Antonio Guevara Valdés, Rafael Cabrera, Ana Dolores Arias, Antonia Galindo y su hermano Francisco Esteban Galindo— y desembocó en los nombres mayores del modernismo y el postmodernismo salvadoreños, encabezados por Francisco Gavidia (1863-1955); Vicente Acosta (1867-1908), fundador y director de la revista sansalvadoreña La Quincena (1903-1908) y firma habitual del periódico La Unión, dirigido en San Salvador por Rubén Darío (1889-1890); Calixto Velado; Alberto Masferrer (1868-1932) y Sarbelio Navarrete, así como los entonces jóvenes vates José Calixto Mixco, Armando Rodríguez Portillo, Jorge F. Zepeda, Gustavo A. Ruiz y el propio Leiva Erazo, quien se incluyó a sí mismo en esa primera puesta en circulación europea de la poesía salvadoreña como conjunto nacional.
Después del trabajo antológico de Leiva Erazo, el escritor salvadoreño Raúl Contreras Díaz (Cojutepeque, 1896-Madrid, 1973) publicó con la casa Maucci una reedición de su primer poemario Armonías íntimas (San Salvador, 1919), bajo el nuevo título Poesías escogidas (Barcelona: Maucci, 1926, 254 págs.). Fuera de él, no consta que otro autor salvadoreño publicara con la editorial barcelonesa-bonaerense-mexicana una obra individual propia (poemario, novela, ensayo, cuentario) bajo firma exclusiva, aunque cabe la posibilidad de que más de uno haya tanteado la opción de ser editado por ese sello hispanoamericano de amplio alcance comercial.
Considerado en su conjunto, el Parnaso salvadoreño y Poesías escogidas representan los dos episodios sustantivos en la relación de la casa Maucci con la literatura salvadoreña. El primero fue una operación editorial barcelonesa que, al inscribir a El Salvador en una serie panhispánica concebida para el mercado lector americano, contribuyó de modo decisivo a fijar —en un volumen accesible y de amplia circulación en sus dos ediciones simultáneas— el primer canon impreso de la lírica salvadoreña. El segundo fue un espacio para posicionar a un escritor que ya merodeaba entre las tertulias de los cafés madrileños, en plena era de efervescencia intelectual de la capital española entre las generaciones del 98 y del 27.
Notas
1 Manuel Llanas, «Semblanza de la Casa Editorial Maucci (Barcelona, 1892-1966?)», Biblioteca Virtual Miguel de Cervantes – Portal EDI-RED, 2016, https://www.cervantesvirtual.com/obra/casa-editorial-maucci-barcelona-1892-1966-semblanza/, 1; Loris Jacopo Bononi, «Parana di Mulazzo. «…ofrecer a América el negocio de ser Europa…»», en Libri & destini. La cultura del libro in Lunigiana nel secondo milennio (Lucca: Maria Pacini Fazzi Editore, 2000), 223-263.
2 Llanas, «Semblanza», 1-2; Bononi, «Parana di Mulazzo», 230-235; Martin Leona, «Entre La antología de poetas hispanoamericanos de Marcelino Menéndez Pelayo y los Parnasos de la Editorial Maucci: reflejos del ocaso de la hegemonía colonial», Ciberletras 15 (2006), https://www.lehman.cuny.edu/ciberletras/v15/martin.html.
3 Llanas, «Semblanza», 1-2.
4 Salvador Contijoch, «El ramo editorial y la casa Maucci», Revista Gráfica (Barcelona, 1901-1902), 85-88; Llanas, «Semblanza», 2.
5 Contijoch, «El ramo editorial», 86-88; Manuel Llanas, L’edició a Catalunya: el segle XX (fins a 1939) (Barcelona: Gremi d’Editors de Catalunya, 2005), 268-276.
6 Llanas, L’edició a Catalunya, 270-274; Manuel Llanas, «Notes sobre l’editorial Maucci i les seves traduccions», Quaderns. Revista de traducció 8 (2002): 11-16.
7 Bononi, «Parana di Mulazzo», 240-258; Casa Editorial Maucci (Barcelona, España), entidad corporativa con sus autores asociados, Portal de Archivos Españoles (PARES), https://pares.mcu.es/ParesBusquedas20/catalogo/autoridad/235730; Juan Bautista Maucci, citado en Luis María Marina, «Manuel Maucci», Luis María Marina (blog), 29 de noviembre de 2009, http://luismariamarina.blogspot.com/2009/11/manuel-maucci.html.
8 Llanas, L’edició a Catalunya, 275-276; Biblioteca Virtual de Defensa, «Casa Editorial Maucci (Barcelona), editor», https://bibliotecavirtual.defensa.gob.es/BVMDefensa/es/consulta_aut/registro.do?id=1108365.
9 Carlos Manuel Villalobos, «El criterio instituyente en las catalogaciones literarias en Centroamérica», Filología y Lingüística 31, n.º 2 (julio-diciembre 2005): 35-43.
10 Villalobos, «El criterio instituyente», 39-40.
El británico Rod Stewart y la estadounidense Cyndi Lauper fueron los grandes protagonistas de la primera jornada del segundo fin de semana del Rock in Rio Lisboa, que reunió este sábado a cerca de 80,000 asistentes, según datos de la organización.
La undécima edición del festival volvió a celebrarse en el Parque Tejo Lisboa, donde miles de personas abarrotaron el escenario principal para presenciar las actuaciones de dos leyendas de la música internacional.
A sus 81 años, Rod Stewart demostró que mantiene intacta su energía. El cantante apareció en el escenario dando saltos y fue recibido con una ovación del público. Durante el concierto interpretó éxitos como It’s a Heartache, It Takes Two e I Don’t Want to Talk About It.
Uno de los momentos más emotivos de la presentación llegó con Rhythm of My Heart, una canción con fuerte mensaje antibélico. Mientras sonaba el tema, las pantallas proyectaron una imagen del presidente de Ucrania, Volodímir Zelenski. El espectáculo concluyó con Da Ya Think I’m Sexy?, desatando los aplausos y la euforia de los asistentes.
Antes de Stewart, Cyndi Lauper ofreció su primer concierto en Portugal y conquistó al público con clásicos como Girls Just Want to Have Fun, True Colors y Time After Time. La artista, de 73 años, también aprovechó el escenario para lanzar un mensaje en defensa de los derechos de las mujeres.
“Gritad para que toda la gente que quiere acorralar a todas nuestras hermanas (…) que sepan que no vamos hacia atrás”, expresó la cantante antes de interpretar uno de sus mayores éxitos, que fue coreado por miles de asistentes.
La programación también incluyó las actuaciones del jamaicano Shaggy y la banda estadounidense 4 Non Blondes, en una jornada marcada por la diversidad de estilos musicales y generaciones sobre el escenario.
Más allá de la música, el festival ofreció actividades paralelas como un espectáculo aéreo protagonizado por cinco aviones Yak-52, exhibiciones de pirotecnia, atracciones mecánicas, zonas gastronómicas y espacios recreativos. Además, la programación hizo una pausa para que los asistentes siguieran el partido del Mundial entre Portugal y Colombia.
Rock in Rio Lisboa inició la semana pasada con lleno total durante sus primeras dos jornadas, en las que participaron artistas como Katy Perry, Linkin Park, Charlie Puth, Kaiser Chiefs y Cypress Hill. Según la organización, el festival ha reunido hasta ahora a unas 200,000 personas procedentes de más de 125 países.
Mel Brooks, uno de los comediantes más influyentes del siglo XX y una de las figuras más importantes del cine y la televisión estadounidense, celebra este domingo su cumpleaños número 100 con una trayectoria marcada por el humor irreverente, la sátira y una colección de reconocimientos que lo ubican entre los artistas más laureados de la industria del entretenimiento.
Nacido el 28 de junio de 1926 en Brooklyn, Nueva York, bajo el nombre de Melvin James Kaminsky, Brooks creció en una familia judía de escasos recursos tras quedar huérfano de padre cuando aún era un bebé. Desde muy joven descubrió que hacer reír sería su vocación, una filosofía que resumió en una de sus frases más conocidas: «La risa es un grito de protesta contra la muerte».
Durante la Segunda Guerra Mundial combatió en Europa, una experiencia que, según reconoció en distintas entrevistas, marcó profundamente su vida. Tras el conflicto encontró en la comedia una forma de enfrentar las tragedias humanas y comenzó su carrera como monologuista antes de abrirse camino como guionista de televisión junto a su mentor, Sid Caesar.
Su primer gran éxito llegó en la pantalla chica al crear, junto con Buck Henry, la serie «Get Smart» (1965-1970), una parodia del espionaje en plena Guerra Fría protagonizada por el torpe agente Maxwell Smart y la agente 99, convertida con el paso de los años en un clásico de la televisión.
En el cine alcanzó reconocimiento internacional con «The Producers» (1967), una sátira sobre el nazismo que escribió y dirigió. La película le otorgó el Óscar al Mejor Guion Original y décadas más tarde fue adaptada como musical de Broadway, donde rompió récords al obtener 12 premios Tony.
A lo largo de su carrera dirigió y produjo algunas de las comedias más recordadas de Hollywood, entre ellas «Blazing Saddles», «Young Frankenstein», «High Anxiety», «Spaceballs» y «Robin Hood: Men in Tights», todas caracterizadas por su estilo paródico y su humor sin restricciones. La saga «Spaceballs» tendrá una secuela prevista para 2027.
Más allá de la comedia, Brooks también dejó huella como productor de películas dramáticas mediante Brooksfilms, respaldando proyectos como «The Elephant Man», de David Lynch, además de títulos como «The Fly», «Frances» y «My Favorite Year». Paralelamente desarrolló una exitosa carrera musical con álbumes humorísticos que le valieron cuatro premios Grammy.
Su legado fue reconocido con el exclusivo estatus de artista EGOT, al conquistar los cuatro principales galardones del entretenimiento estadounidense: Emmy, Grammy, Óscar y Tony. También recibió la Medalla Nacional de las Artes de manos del expresidente Barack Obama en 2016 y dejó inmortalizadas las huellas de sus manos y pies frente al Teatro Chino de Hollywood.
A sus 100 años, Brooks continúa vinculado a nuevos proyectos junto a sus hijos y mantiene intacto su característico sentido del humor. Cuando le preguntan cuál es el secreto de su longevidad, suele responder con una frase que resume su personalidad: «A veces me preguntan: ‘Mel, ¿cuál es el secreto de una vida larga?’. Y siempre respondo: ‘No morir’».
El cantante español David Bisbal emocionó al público del Festival de Torrelodones (Madrid) con una interpretación muy especial de “Frente a Frente”, el inolvidable clásico popularizado por Jeanette, en una de las actuaciones más destacadas de la noche.
El artista quiso rendir homenaje, tal cual afirmaba antes de su actuación, a Manuel Alejandro (1933), también español y compositor del tema, y a una de las canciones más emblemáticas de la música hispana con una versión elegante y cargada de sensibilidad, respetando la esencia melancólica que ha convertido este tema en un referente para varias generaciones.
Con su inconfundible voz y una interpretación profundamente emotiva, David Bisbal aportó una nueva perspectiva a esta composición atemporal, conectando de manera inmediata con el público del festival. La actuación se convirtió en uno de los momentos más destacados de la noche, generando una cálida ovación y una gran emoción entre los asistentes.
La elección de “Frente a Frente” refuerza el vínculo de David Bisbal con el legado de las grandes canciones de la música hispana, una línea artística que continúa explorando en esta etapa de su carrera. Su capacidad para reinterpretar clásicos desde el respeto y la personalidad propia vuelve a quedar patente en una actuación que puso de manifiesto su versatilidad y madurez artística.
Con esta presentación, David Bisbal sigue acercando al público algunas de las canciones más icónicas de nuestro repertorio musical, reafirmándose como una de las voces más importantes y reconocidas de la música en español, y continúa revelando el universo de «Eternos», su próximo álbum que verá la luz el 2 de octubre.
Visitantes de todas las edades podrán convertirse en exploradores por un día en el nuevo museo de la National Geographic, que abrió sus puertas este viernes en Washington con cientos de artefactos, espacios interactivos y una experiencia inmersiva para «tocar» la historia de la emblemática sociedad.
El gran patio recibe al visitante y, en la noche, acoge un espectáculo de luces, estantes que se abren para revelar puertas, mini sitios arqueológicos, suelos «vivos» y un pase privilegiado a décadas de archivos, que están entre los reclamos que distinguirán a la nueva institución entre las decenas de museos en la capital estadounidense.
La mezcla entre una «nueva tecnología increíble» y las «apasionantes historias de exploradores» harán del nuevo Museo de la Exploración de la NatGeo el lugar a visitar este verano en la ciudad, aseguró a EFE la directora ejecutiva de la sociedad, Jill Tiefenthaler.
«Habrá muchas exhibiciones diferentes, muestras inmersivas y relatos increíbles, como solo puede contar la National Geographic. Se podrá visitar nuestra galería de fotografía y sumergirse en nuestros archivos. Hay muchos elementos interactivos estupendos», adelantó.
Fotografía del 22 de junio de una sala interactiva con luces en el Museo de la Exploración de la NatGeo, el nuevo museo de la National Geographic en Washington. Visitantes de todas las edades podrán convertirse en exploradores por un día en el nuevo museo de la National Geographic, que abre sus puertas este viernes en Washington con cientos de artefactos, espacios interactivos y una experiencia inmersiva para «tocar» la historia de la emblemática sociedad. EFE/Stefani Raguso
Un proyecto ambicioso
La instalación reemplaza al antiguo museo de la organización, con más de 130 años de trayectoria, y sirve como puente entre las alas moderna e histórica en la sede, donde hace décadas se formaban líneas para escuchar las experiencias de los exploradores a su regreso de las expediciones. Ahora, estas historias están al alcance de todos.
Valorada en más de 300 millones de dólares y a lo largo de unos 9,200 metros cuadrados, la institución muestra 650 artefactos, entre ellos una copia del famoso sumergible de Jacques Cousteau o el libro que cambió la vida de Jane Goodall, en un espacio dedicado a la chispa que encendió la pasión de aventureros famosos.
Un tablero de anuncios gigantes muestra la ubicación en tiempo real donde trabajan los exploradores de la NatGeo alrededor del mundo, en mensajes en inglés y español, los dos idiomas que se leen a lo largo del museo.
«Desde nuestros inicios en la National Geographic, siempre hemos apoyado a los exploradores para que salgan, aprendan y cuiden del mundo (…) Ahora contamos con este maravilloso museo aquí en D. C. para compartir nuestra misión y las historias de esos exploradores con todos los visitantes de la ciudad», agregó Tiefenthaler.
La instalación también acogerá conciertos, mercadillos de agricultores locales, «trivias», exhibiciones de filmes de archivo, encuentros con exploradores y ofrecerá muestras de cocinas del mundo en su restaurante, que tiene un bar bautizado en honor a Bob Ballard, el descubridor de los restos del Titanic.
Una exhibición de imágenes icónicas publicadas en la revista NatGeo, entre ellas la de la niña afgana de la famosa portada de 1985, comparte espacio con las muestras «Rojo, Blanco y Azul. Instantáneas de Estados Unidos» y la interactiva «Arca Fotográfica» animal recopilada por Joel Sartore durante dos décadas.
Allí las fotografías cobran vida, se puede observar cómo el explorador ha documentado la existencia de decenas de especies, algunas ya desaparecidas; y los más curiosos podrán descubrir a qué animal se parecen. «Es abrumador. Hay mucho trabajo aquí en estas paredes. Veinte años de trabajo», dijo Sartore a EFE.
«Apenas estamos empezando, porque nuestro objetivo es mostrar cómo es la biodiversidad en este momento de la historia. Vamos adonde sea que podamos para ver la naturaleza en todas sus formas. Así, cuando la gente entra en esta exposición, ve las paredes llenas de aves, mamíferos, insectos y peces, y esa es precisamente la intención», explicó.
Fotografía del 22 de junio de la sección ‘En Foco’, una exhibición de fotografías de National Geographic expuestas en el Museo de la Exploración de la NatGeo, el nuevo museo de la National Geographic en Washington. Visitantes de todas las edades podrán convertirse en exploradores por un día en el nuevo museo de la National Geographic, que abre sus puertas este viernes en Washington con cientos de artefactos, espacios interactivos y una experiencia inmersiva para «tocar» la historia de la emblemática sociedad. EFE/Stefani Raguso
Un regalo para futuros exploradores
Aunque está pensado para todas las edades, el nuevo museo de la NatGeo reserva un rincón especial para los futuros exploradores que podrán jugar y aprender en una «plataforma de lanzamiento» donde hasta el piso revela datos.
«En realidad, todo gira en torno a la próxima generación: conectar con ella y despertar ese espíritu explorador que llevan dentro. (…) Contamos con espacios magníficos para que los niños corran y se entusiasmen con la geografía y la fauna de todo el planeta», aseguró Tiefenthaler.
La legendaria cantante cubana Celia Cruz se convirtió en la «primera artista latina» cuya voz ha sido recreada mediante inteligencia artificial (IA), una tecnología que solo se utilizará en proyectos acordes con su legado y los valores que defendió en vida, como «ensalzar» la cultura hispana, explicó a EFE su albacea, Omer Pardillo.
El representante detalló que el objetivo es preservar el legado de la ‘Reina de la salsa’, fallecida en 2003, y acercarlo a las nuevas generaciones sin perder el control sobre el uso de su imagen y su voz.
«El propósito es que la voz de Celia y el legado se mantengan relevantes y accesibles para futuras generaciones», indicó.
El representante precisó que la voz generada con inteligencia artificial ya está creada y registrada, pero que su utilización estará sujeta a una estricta supervisión del patrimonio de la artista, nacida en La Habana en 1925.
«No es que todo el mundo va a tener acceso y coger la voz de Celia y hacer lo que quieran, no. Esto es un proceso muy limitado», aseguró.
Pardillo aclaró que cada propuesta será analizada antes de recibir autorización. «Tengo que tener mucho cuidado porque no quiero tampoco que la voz de Celia se utilice para cosas que ella no hubiese querido. Siempre cuando voy a empezar un proyecto lo pienso tres veces y pienso: ¿Le hubiera gustado a ella o no le hubiera gustado?», enfatizó.
Manifestó que el trabajo estuvo a cargo de ElevenLabs, que ya habían simulado la voz de la poeta estadounidense Maya Angelou, a quien él conoció a través de Celia Cruz, lo que, cuenta, disipó sus dudas iniciales sobre el uso de esta tecnología.
El albacea, quien trabajó con la salsera desde que él tenía 17 años, descartó además que la tecnología vaya a emplearse para campañas políticas.
«Nunca lo usaría para nada político, ninguna campaña ni nada», afirmó. En cambio, consideró que la herramienta puede servir para difundir la historia de la música latina y responder preguntas con declaraciones que la cantante realizó en vida.
«Yo creo que es más para ensalzar nuestra cultura… y que ella te pueda responder con las cosas que ella dijo, porque tampoco nos vamos a ir muy fuera de lo que ella dijo», explicó.
Añadió que, aunque la tecnología permite reproducir la voz tanto en español como en inglés, la prioridad será el español. Señaló que solo contemplaría «algunas pequeñas cosas en inglés» si mantienen la autenticidad de la intérprete.
Entre las aplicaciones que contempla también figuran la narración de libros y contenidos educativos, siempre respetando el pensamiento de la artista.
Pardillo admitió que uno de sus mayores temores era que cualquier persona pudiera utilizar la voz de la ‘Guarachera de Cuba’ sin autorización o asociarla a mensajes contrarios a sus convicciones.
«El mayor miedo era que todo el mundo tuviera acceso y que mañana yo me encontrara la voz de Celia hablando con algún personaje que ella nunca hubiese querido. Eso no pasa», sostuvo.
Desde ElevenLabs, la responsable de alianzas con talentos, Bridget Ferris, destacó el valor de esta colaboración «para llevar su voz a este nuevo capítulo de la tecnología de una manera intencional y digna de su extraordinario legado».
«No hay una voz como la de Celia Cruz; su energía, su alegría y su impacto cultural son realmente únicos», expresó Ferris.
Pardillo destacó que ElevenLabs mantiene un control sobre el uso de la voz y que cualquier utilización no autorizada será combatida por la vía legal. «Hay un control absoluto del manejo», concluyó.
