Redacción HCloud

Categoría: Escena

  • Boy George se reúne con el presidente de Israel tras sacar una canción en apoyo al país

    Boy George se reúne con el presidente de Israel tras sacar una canción en apoyo al país

    El cantante británico Boy George se reunió con el presidente de Israel, Isaac Herzog, este lunes en una visita a su residencia en Jerusalén en el marco de un viaje tras lanzar la canción ‘We will dance again’ («Volveremos a bailar», en inglés) en apoyo al país tras los ataques del 7 de octubre de 2023.

    «Hoy, queremos agradecerte, Boy George, por ponerte del lado de Israel y el pueblo judío. En tres años desde el 7 de octubre, Israel y los judíos del mundo han sufrido una avalancha de ataques», afirmó Herzog durante la ceremonia, según las imágenes compartidas por Presidencia.

    El presidente de Israel denunció que en distintos ámbitos del arte y la cultura se ha extendido «una forma particular de discriminación contra los israelíes y los judíos», en referencia a los boicots en protesta contra la ofensiva que el país mantiene en Gaza, que se ha cobrado la vida de cerca de 75,000 palestinos desde 2023.

    Israel comenzó entonces la ofensiva, que provoca muertos a diario pese a que desde hace más de un año hay una tregua en vigor, en represalia a la masacre del 7 de octubre de 2023. Ese día, las milicias de Gaza con Hamás a la cabeza entraron en las comunidades fronterizas israelíes con la Franja y mataron a unas 1,200 personas, además de tomar a otras 251 como rehenes.

    «Estaba escribiendo una canción basada en lo que leía en los periódicos y sentí que la palabra ‘genocidio’ estaba siendo sobreutilizada», dijo el cantante durante su intervención, «y yo sé lo que la palabra significa, así que era una apertura fácil para mí».

    Así referenció Boy George al inicio de la canción, con los versos: «Tú dices ‘genocidio’, yo digo ‘guerra’. Cuando te atacan, para eso está el Ejército».

    Está dedicada a las víctimas del festival Nova, la ‘rave’ celebrada a escasos kilómetros de Gaza el día del ataque que se convirtió en el escenario de una de las mayores masacres de la jornada. Los atacantes palestinos mataron allí a unas 364 personas, además de a 15 policías, según los datos de la cadena israelí Kan.

    Boy George acudirá mañana (martes) a Reim, la comunidad fronteriza con Gaza junto a la que se celebraba el festival Nova. Además, el que fuera líder de Culture Club celebrará conciertos en Tel Aviv los días 4 y 7 de noviembre.

    El británico es uno de los escasos artistas que han viajado a Israel desde octubre de 2023, en medio del boicot cultural que vive el país por su ofensiva en Gaza, calificada como un genocidio por distintas organizaciones internacionales y una comisión independiente de la ONU.

    En febrero de este año, la banda estadounidense Smash Mouth dio un concierto en Tel Aviv y recientemente la rapera Azealia Banks se mudó a esta misma ciudad.

    A principios de septiembre, el actor John Malkovich canceló una actuación en Israel prevista para el 13 de abril tras la publicación en un diario israelí de frases que se le atribuyeron sin que las hubiera pronunciado, como «estoy emocionado de volver a Israel y no puedo esperar a reencontrarme con la cálida audiencia israelí de nuevo, con la que siento una fuerte cercanía y solidaridad».

  • El estadounidense Juan Atkins, pionero del tecno, muere en México a los 64 años

    El estadounidense Juan Atkins, pionero del tecno, muere en México a los 64 años

    El productor y DJ estadounidense Juan Atkins, considerado uno de los padres fundadores de la música tecno, falleció a los 64 años en Ciudad de México, según informó este lunes su agencia de representación, Greensmith Artists.

    El artista de Detroit fue encontrado inconsciente en la habitación de su hotel horas antes de una presentación programada en el club YuYu Cine Club de la capital mexicana este fin de semana.

    Tras ser trasladado de urgencia a un hospital de la capital, el personal médico certificó su fallecimiento aunque hasta el momento no se ha dado a conocer de forma oficial la causa del deceso.

    Según reportes de medios estadounidenses, Atkins afrontaba desde hacía tiempo problemas de salud derivados de la diabetes, si bien no se ha determinado si dicho padecimiento estuvo relacionado con su muerte.

    A través de un comunicado en redes sociales, la agencia Greensmith Artists lamentó la pérdida del músico y destacó que el mundo perdió a un creador que cambió el curso de la música.

    La compañía reveló además que se encontraban planeando actuaciones para 2027 y preparando una película biográfica titulada preliminarmente ‘Techno City’.

    «Él nunca se quejaba. Nunca mencionó lo enfermo que estuvo durante años. Solo salía e intentaba hacer su trabajo lo mejor posible. Respeten su legado, respeten el esfuerzo», declaró en un video subido a redes sociales su compañero de profesión Derrick May.

    Nacido en Detroit en 1962, el músico inició formalmente su carrera en 1980 con la formación del dúo Cybotron junto a Richard Davis, proyecto con el que publicó en 1983 ‘Clear’, tema considerado un hito temprano en la configuración del sonido electrónico contemporáneo.

    Posteriormente, bajo el pseudónimo Model 500 y con su pieza ‘No UFOs’ de 1985, consolidó la escena de su ciudad natal y fundó el sello discográfico Metroplex.
    Junto a Kevin Saunderson y Derrick May integró la célebre triada conocida como The Belleville Three, precursora del género a nivel internacional.

    A su grabación ‘Techno Music’, publicada en 1988, se le atribuye haber dado nombre formal a la corriente musical.

  • Roma contempla los retratos de El Fayum, las miradas egipcias que desafían al tiempo

    Roma contempla los retratos de El Fayum, las miradas egipcias que desafían al tiempo

    El Museo del Ara Pacis de Roma inauguró este lunes 2 de noviembre una exposición dedicada a los retratos de El Fayum, una colección de antiguas pinturas funerarias utilizadas para identificar a las momias durante el período romano de Egipto. La muestra reúne 50 obras que permiten conocer los rostros de hombres, mujeres y niños que vivieron hace aproximadamente 2,000 años.

    Las piezas proceden de una tradición artística desarrollada principalmente entre los siglos II y III después de Cristo en El Fayum, una fértil región situada al sur de El Cairo, cerca del río Nilo. Su elaboración surgió de la combinación de las costumbres funerarias egipcias con las técnicas de representación artística introducidas por Roma, que convirtió a Egipto en una de sus provincias en el año 30 antes de Cristo, durante el dominio de Augusto.

    El superintendente para los Bienes Culturales del Ayuntamiento de Roma, Claudio Parisi Presicce, destacó la importancia histórica de las obras durante la inauguración. «La exposición es excepcional porque nos pone en contacto con un patrimonio específico que se conserva prácticamente solo en Egipto», manifestó el funcionario, al referirse al valor de estas pinturas como testimonio de las prácticas funerarias de la Antigüedad.

    Los retratos sobresalen por el realismo de sus expresiones y la precisión con la que fueron representados los rostros. Entre las imágenes aparecen hombres jóvenes con barba, mujeres con elaborados peinados y niños fallecidos a temprana edad. Su estilo ejerció influencia sobre reconocidos artistas como Henri Matisse, Amedeo Modigliani y Pablo Picasso, de quien la exposición recupera una reflexión sobre estas obras: «¿Veis estas tablas? Toda la pintura moderna ya se hizo aquí. No hemos inventado absolutamente nada después de ellos».

    Entre las piezas exhibidas figura el denominado ‘Tondo de los dos hermanos’, una pintura que representa a dos personas cuya relación continúa siendo desconocida. «¿Eran hermanos? ¿Padre e hijo? ¿Maestro y pupilo? ¿Amantes? No lo sabemos», expresó Parisi Presicce durante la presentación, ante representantes de las autoridades egipcias. La incertidumbre sobre la identidad de los retratados constituye uno de los aspectos que rodean estas antiguas representaciones.

    Otra de las obras muestra a Eirene, también conocida como Irene, una joven representada con un tocado vegetal y dorado, un manto rojizo y pendientes brillantes. A diferencia de otros retratos cuyos protagonistas permanecen anónimos, su identidad pudo conocerse gracias a una oración inscrita en la pintura, mediante la cual se encomendaba su alma a Osiris, divinidad egipcia relacionada con la vida después de la muerte.

    La conservación de estas pinturas representa un hecho excepcional debido a la fragilidad de los materiales empleados. Los artistas utilizaron delgadas láminas de madera de ciprés o encina, de apenas unos milímetros de espesor, sobre las cuales aplicaban pigmentos mediante técnicas de acuarela o cera. Algunas de las 50 obras que llegaron a Roma fueron restauradas por especialistas italianos y se presentan junto con esculturas, sarcófagos, máscaras funerarias y antiguos sudarios de lino prestados por el Museo del Louvre de París.

    La exposición permanecerá abierta hasta el 2 de mayo de 2027 y tiene como escenario el Museo del Ara Pacis, un espacio vinculado directamente con la historia del Imperio romano. El monumento fue construido por orden del emperador Augusto para conmemorar la paz impuesta en los territorios bajo dominio de Roma, que se extendían desde Egipto hasta regiones de Hispania y Galia. La elección del recinto permite establecer una conexión histórica entre las pinturas funerarias egipcias y la civilización romana que influyó en su creación.

  • «Bodypainting», el sencillo que marca una nueva era para la cantante Emilia

    «Bodypainting», el sencillo que marca una nueva era para la cantante Emilia

    La sensación internacional del pop Emilia presenta “Bodypainting,” revelando una nueva dimensión de su propuesta artística a través de un sonido que abraza la sensualidad y la autoexpresión. El sencillo refleja una evolución de su característico sonido pop, combinando el coqueteo y el deseo con una perspectiva artística más madura.

    Producido por LIOHN, colaborador del equipo de Max Martin, y Zecca, cuyos créditos incluyen colaboraciones con artistas como Drake y Karol G, “Bodypainting” empieza a mostrarnos el lenguaje creativo de esta nueva era de Emilia, donde el cuerpo se convierte en un lienzo para la transformación y la autoexpresión.

    Codirigido por Martin Seipel & Melanie Anton, el video musical amplía el universo de “Bodypainting” a través de una propuesta visual cinematográfica y cargada de sensualidad. Ambientado en un lujoso penthouse, Emilia explora el deseo a través de una serie de escenas que combinan baile, actitud y una estética audaz.

    El video culmina con un enérgico dance break que evoca algunas de las etapas más icónicas del pop y destaca la fuerza de Emilia como performer en esta nueva etapa artística. El video se estrenó en MTV Live, MTVU y las pantallas de Times Square.

    “Bodypainting es una canción que te invita a bailar y a disfrutar de tu sensualidad. Quería jugar con el coqueteo, el deseo y con una versión de mí que la gente ya conoce, pero que hoy aparece desde otro lugar. Fue una canción que disfruté muchísimo hacer y que siento que abre una etapa nueva para mí”,

    Emilia

    Cantante argentina.

     

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    “Bodypainting” llega en un momento clave de la carrera de Emilia, tras un año extraordinario que ha consolidado aún más su posición como una de las voces líderes del pop latino.

    A principios de este año, colaboró con Zara Larsson en “Girl’s Girl,” incluido en la edición deluxe de Midnight Sun de Larsson, y debutó en Coachella junto a Luísa Sonza en el escenario Gobi, llevando su música a uno de los festivales más destacados del mundo.

  • La española Rosana se alista para enamorar a El Salvador el 10 de febrero

    La española Rosana se alista para enamorar a El Salvador el 10 de febrero

    Este 10 de febrero de 2027, el espacio Salamanca en Nuevo Cuscatlán abrirá sus puertas para recibir a una de las cantautoras más queridas de la música  española: Rosana, con su gira «Vamos A Star» (VAS).

    Hay canciones que no solo se escuchan: se sienten, nos acompañan en los momentos más importantes de la vida y se convierten en parte de nuestra propia historia. Y si hay una artista capaz de transformar esos sentimientos en música, esa es Rosana Arbelo.

    La cantautora de 63 años volverá a El Salvador gracias a Cosmo Producciones y para reencontrarse con su público en una noche donde la música, la sensibilidad y las emociones serán las grandes protagonistas.

     

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    Porque hay voces que nos gustan, canciones que nos enamoran y artistas que, sin conocernos, parecen entender exactamente lo que sentimos. Rosana es una de ellas. Desde Lanzarote, en las Islas Canarias, hasta los escenarios de más de 50 países, Rosana ha construido una trayectoria que trasciende fronteras y generaciones.

    Su autenticidad, su voz y su capacidad para contar historias a través de sus canciones la han convertido en una figura imprescindible de la música, con temas como «A fuego lento», «Pa ti no estoy» o «Si tú no estás».

     

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    Con más de tres décadas de carrera, nueve álbumes publicados y más de 15 millones de discos vendidos, Rosana ha demostrado que las canciones hechas desde el corazón no conocen el paso del tiempo.

    No te pierdas su gran concierto en El Salvador. Las localidades disponibles son: Preferencial $59, Silla VIP $100 y Ultra Platinum $130. Los precios ya incluyen costo de boletería, a la venta en eticket.sv.

  • FOTOS: El Día de Muertos, la fiesta viva que salió de México para cautivar al mundo

    FOTOS: El Día de Muertos, la fiesta viva que salió de México para cautivar al mundo

    En la última década el Día de Muertos pasó de ser una celebración exclusivamente mexicana a una fiesta global. Altares, calaveras y catrinas decoran hogares alrededor del mundo y esta semana se prevén desfiles en ciudades como Madrid, Nueva York y Tokio.

    «Todos somos calaveras potenciales y somos no calaveras potenciales solo, sino calaveras del montón», explica en una entrevista con EFE Manuel Álvarez Junco, autor de ‘Una calavera del montón. Humor y Muerte’.

    En su texto, el investigador y artista gráfico hace un vasto recorrido histórico sobre las representaciones visuales de la muerte y la forma en que el ingenio ha funcionado como un «bálsamo» ante lo que considera «el acoso más grande que hay en nuestra vida».

    Una persona observa una catrina este martes, en Atlixco, Puebla (México). Dioses prehispánicos convertidos en catrinas monumentales emergen entre campos de cempasúchil, plazas y calles del municipio mexicano de Atlixco, en el central estado de Puebla, donde el Día de Muertos revive las creencias ancestrales sobre la vida, la naturaleza y el mundo de los muertos. EFE/ Hilda Ríos

    De la Antigua Grecia al folclore mexicano

    El humor gráfico y sus mecanismos de transgresión son temas que Álvarez Junco llevaba décadas investigando, por lo que la idea de abordar la muerte siempre le había rondado la cabeza, pero confiesa que no se atrevía a hacerlo debido a la visión solemne que impera en España.

    Fue precisamente en el Día de Muertos donde encontró la intersección perfecta: una «curiosa mezcla» entre humor y muerte que le dio la clave definitiva.

    Uno de los grandes aportes del libro es poner en valor lo mestizo de esta celebración. Para entender mejor sus singularidades, Álvarez Junco rastreó las raíces europeas y las aproximaciones humorísticas a la muerte desde la Antigua Grecia y Roma, pasando por las danzas macabras del Medievo y el Día de los Inocentes en España.

    Al entrelazarse con el mundo indígena mesoamericano, que ya integraba la música, la danza y el alboroto en sus rituales sagrados o mitotes, se gestó el sincretismo único que hoy conocemos.

    Fotografía que muestra una catrina este martes, en Atlixco, Puebla (México). Dioses prehispánicos convertidos en catrinas monumentales emergen entre campos de cempasúchil, plazas y calles del municipio mexicano de Atlixco, en el central estado de Puebla, donde el Día de Muertos revive las creencias ancestrales sobre la vida, la naturaleza y el mundo de los muertos. EFE/ Hilda Ríos

    Guadalupe Posada, el genio detrás de la Catrina

    Durante la presentación del libro en la Casa de México en Madrid, el historiador mexicano Agustín Sánchez González, quién colaboró con el autor durante la investigación, destacó la profunda ironía de que José Guadalupe Posada, célebre por sus catrinas y el artista más exportable del país, muriera en el anonimato.

    «Posada nació el día que murió», sentenció Sánchez González, recordando que el grabador, ilustrador y caricaturista falleció en el barrio de Tepito y terminó en una fosa común convertido, literalmente, en una “calavera del montón».

    Él fue el creador de la catrina con sombrero que hoy es popular en todo el mundo. A la visión de Posada, Álvarez Junco le atribuye un mérito inigualable: haber despojado a la muerte de toda mística.

    «No tiene nada de religioso, ni de lo religioso español ni de lo religioso mesoamericano. Es totalmente laico y totalmente seco», apunta.

    Probablemente, esa visión realista de la muerte sea la clave del éxito de ‘la flaca’, pues no tiene ningún ánimo moralizador, simplemente nos recuerda con gracia nuestro inevitable destino.

    Personas posan con una catrina para una fotografía este martes, en Atlixco, Puebla (México). Dioses prehispánicos convertidos en catrinas monumentales emergen entre campos de cempasúchil, plazas y calles del municipio mexicano de Atlixco, en el central estado de Puebla, donde el Día de Muertos revive las creencias ancestrales sobre la vida, la naturaleza y el mundo de los muertos. EFE/ Hilda Ríos

    Una fiesta viva y en constante evolución

    Lejos de ser una tradición estática, el Día de Muertos es un ente vivo. La globalización y el consumo de masas, impulsados por fenómenos como la película de Pixar ‘Coco’ o la cinta ‘007: Spectre’, han popularizado la fecha.

    Álvarez Junco considera que la asimilación global de calaveras y disfraces festivos responde a un deseo humano universal de sobrellevar la tragedia y reírse de la mortalidad.

    Frente a la solemnidad tradicional, el humor demuestra que «hay más vida que muerte», como apuntó Agustín Sánchez.

    Con este libro el escritor busca, en sus propias palabras, «abrir un melón», es decir, funcionar como punto de partida para seguir explorando cómo, sin importar la cultura, el humor sigue siendo la herramienta más eficaz para recordarnos que, al final del día, no hay nada más democrático que terminar convertido en una calavera.

    Personas observan catrinas monumentales este martes, en Atlixco, Puebla (México). Dioses prehispánicos convertidos en catrinas monumentales emergen entre campos de cempasúchil, plazas y calles del municipio mexicano de Atlixco, en el central estado de Puebla, donde el Día de Muertos revive las creencias ancestrales sobre la vida, la naturaleza y el mundo de los muertos. EFE/ Hilda Ríos
  • «El Salvador fue el primer país que visité fuera de Guatemala»: el emotivo recuerdo de Ricardo Arjona en un Estadio Cuscatlán abarrotado

    «El Salvador fue el primer país que visité fuera de Guatemala»: el emotivo recuerdo de Ricardo Arjona en un Estadio Cuscatlán abarrotado

    En una noche marcada por la nostalgia, la cercanía y un lleno total,  Ricardo Arjona volvió a conquistar al público salvadoreño este sábado 31 de octubre en el Estadio Cuscatlán.

    El reloj marcaba las 9:30 p.m. cuando Arjona pisó el escenario para dar inicio a un concierto que se extendió por poco más de dos horas. Entre arreglos acústicos y potentes pasajes de banda completa, las pantallas de gran formato proyectaban secuencias narrativas que complementaban cada interpretación, mientras el público salvadoreño acompañaba a una sola voz cada uno de los versos, creando una atmósfera de complicidad que borró por completo las distancias entre la tarima y las graderías.

    Un vínculo personal con El Salvador

    Más allá del despliegue musical y la energía de los asistentes, uno de los momentos más emotivos de la noche ocurrió cuando el artista hizo una pausa para expresar su profundo agradecimiento al pueblo salvadoreño por el recibimiento afectuoso que le ha brindado a lo largo de toda su carrera.

    Arjona compartió un recuerdo de su infancia que reafirma su especial conexión con el país, rememorando los días previos a su salto a la fama:

    «Este fue el primer país que conocí fuera de Guatemala. Vine de vacaciones con mis padres y dormíamos en tiendas de campaña; dormíamos donde nos agarraba la noche en varias de las carreteras de este país y nos trataron muy bien siempre», confesó el cantautor ante la ovación del público.

    Una velada inolvidable en el «Coloso de Montserrat»

    A lo largo del concierto, los asistentes corearon a una sola voz los temas que han marcado a distintas generaciones, ratificando el arrastre de convocatoria que el guatemalteco mantiene en la región.

    Ricardo Arjona subió al escenario a una asistente que captó su atención con un cartel desde la multitud, cumpliendo y le dedicó parte su emblemático tema «Señora de las cuatro décadas». /Foto DEM.

    El repertorio ofreció un recorrido por los éxitos más coreados de su carrera. Clásicos indiscutibles como «Historia de taxi», «Señora de las cuatro décadas», «Te conozco», «Acompañame a estar solo» y «El problema» retumbaron en cada rincón del Cuscatlán. El evento concluyó al filo de la medianoche entre aplausos.

     

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  • Exposición sobre Michael Jackson y sus vínculos con España llega a Madrid

    Exposición sobre Michael Jackson y sus vínculos con España llega a Madrid

    El legado de Michael Jackson y sus vínculos con España formarán parte de una exposición que, con el título ‘Michael Jackson Legacy’, albergará el espacio FLUGE Audiovisuales, en Arganda del Rey (Madrid), desde el 20 de noviembre hasta el 16 de diciembre de 2026.

    La muestra, que pone especial atención a los vínculos de la estrella del pop con España, estará comisariada por el fotógrafo Domingo J. Casas.

    Así, presentará obras de arte relacionadas con el legado no solo del artista, sino de la familia Jackson, así como efectos personales de algunos de ellos, entre los que la empresa audiovisual FLUGE ha destacado autógrafos originales, una guitarra firmada por el cantante, y otros objetos relacionados con las nueve actuaciones que Jackson protagonizó en España.

    La muestra también permitirá ver obras de colecciones particulares custodiadas en domicilios de coleccionistas como Rebecca Cabrera o José Antonio Pérez, quienes las han cedido de manera temporal para la ocasión, así como obras de artistas como Toni Marmota (bajista de La Frontera y artista plástico), el arquitecto Jesús del Peso, el artista mexicano Rivelino Murrieta (que ha hecho una obra expresamente para la ocasión) o Víctor Coyote (el líder de ‘Los Coyotes’ fallecido recientemente), entre otros.

  • Morat celebra su sonido latino «diferente»: «No todo es música urbana»

    Morat celebra su sonido latino «diferente»: «No todo es música urbana»

    Para Morat es «muy emocionante» que el formato de «una banda con amigos tocando instrumentos en un escenario» pueda ser el referente para algunas personas de la música latina y que no solo lo sea la música urbana, aseguró la banda colombiana en una entrevista con EFE este viernes en Madrid.

    «El hecho de pensar que del formato de la banda de amigos tocando con instrumentos en un escenario pueda ser una referencia de qué es la música en español es muy emocionante», afirma Simón Vargas, bajista de la banda de pop latino, que incluso recalca que «hay música en español que suena diferente, no todo es música urbana».

    Vargas, rodeado de sus compañeros en el Movistar Arena de Madrid en pleno ‘Ya es mañana world tour’, dice que le emociona el mero hecho de ser preguntado por cómo se siente ser representante, de alguna forma, de la música colombiana y la latina, y confiesa que durante años tuvieron el sueño de destacar dentro del género sin ser urbanos.

     

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    «Durante mucho tiempo, cuando uno hablaba de referentes de la música latinoamericana, era pura música urbana», afirma el artista horas antes del que será su penúltimo concierto en España, después de haber pisado este mes dos veces el Palau Sant Jordi de Barcelona o el Roig Arena de Valencia.

    Ahora, con quince años de carrera a sus espaldas, el grupo de Bogotá acaba de colgar su placa conmemorativa en la pared de la entrada del Movistar Arena por haber conseguido diez ‘sold out’ (entradas agotadas) en ese espacio de conciertos madrileño.

    Así, se consagran como el primer grupo o solista latinoamericano en figurar en esa pared, que actualmente lidera el grupo español El Barrio con 24 llenos, seguido de Joaquín Sabina, con 21, y donde Depeche Mode son el único grupo no español.

    Los Beatles, inspiración para Morat

    «Uf, a mí me encantaría haber tenido la oportunidad de hacer algo con Los Beatles», imagina Martín Vargas, el batería del grupo, preguntados por una colaboración soñada con un músico vivo o muerto.

    Vargas sostiene ante las miradas divertidas de sus compañeros que esa mezcla entre ellos y el icónico grupo británico sería su «sueño máximo».

    Los de Morat, subraya el batería, se han inspirado «mucho» en Los Beatles y les admiran «un montón», por lo que además, al ser ellos también un formato de banda de cuatro integrantes que traen «algo diferente a su proyecto», habría sido «interesante» que la colaboración pudiera haber llegado a pasar.

    Una carrera que nunca habían imaginado

    Con una lista de conciertos con entradas agotadas en varias ciudades, como los del 30 y 31 de octubre en Madrid, los del 6, 7 y 8 de noviembre en Ciudad de México o los 2 y 3 de diciembre en Monterrey (México), Juan Pablo Isaza, guitarrista de Morat, afirma que están viviendo este éxito «con mucha sorpresa y mucho agradecimiento».

    El artista reconoce que a veces, metido en «la rueda» de hacer conciertos y giras, se le olvida la «cantidad de cosas» que han conseguido.

    Hablando sobre la placa recibida por haber llenado el Movistar Arena en diez ocasiones, Isaza muestra su alegría por ser «el único grupo latino ahí»: «Estar en ese muro con todos esos artistas es una locura y nos hace sentir, de pronto, un poco más viejos, como que ya tenemos una carrera más larga».

    Sin embargo, para ellos, a pesar de los años sigue siendo «muy importante» el apoyo incondicional de sus familias, que estuvieron junto a ellos desde el principio, resalta Juan Pablo Vilamil, también guitarrista del grupo.

    «Sigue habiendo muchas cosas un poco innegociables. Cada cierto tiempo necesitamos volver a casa, y todos los años intentamos pasar por lo menos Navidad con nuestra familia», asegura, y añade que sus familias siguen siendo un «grandísimo polo a tierra» para ellos.

    La banda colombiana partirá este sábado de España para seguir girando por los principales escenarios de México, Venezuela y Estados Unidos hasta el 3 de abril de 2027, cuando cerrarán el ‘Ya es mañana world tour’ en Virginia.

  • «Tiempos de ilusión», el despertar adolescente en el París de los años 80

    «Tiempos de ilusión», el despertar adolescente en el París de los años 80

    El momento «mágico y breve» entre la niñez y la edad adulta en el que «se aprende todo a la vez» es el eje central de ‘Tiempos de ilusión’, la nueva película de los franceses Olivier Nakache y Eric Toledano (‘Intouchables’), que recrean con una mirada cálida y humanista su adolescencia en los años ochenta en la periferia parisina.

    «Se aprende todo a la vez: el amor, la muerte, el sexo, la violencia, la religión…y, en realidad, teniendo apenas 11, 12 o 13 años, no se comprende», aseguró en una entrevista a EFE Toledano, para quien el resto de la vida consiste en escapar o aceptar esas claves aprendidas, algo que convierte esta etapa en fascinante para el cine y la literatura.

    La película, que ya se estrenó en Argentina a mediados de octubre, llegó este viernes a los cines españoles y el 12 de noviembre a los de Brasil.

    Esta historia de iniciación está protagonizada por Louis Garrel (‘Soñadores’), Camille Cottin (‘Los Miserables’), Pierre Lottin (‘Por todo lo alto’) y el joven Simon Boublil, a quien Nakache define como «un pequeño milagro» porque es un actor natural que «posee algo que no se puede aprender».

    El joven actor protagoniza una historia situada en 1985 que mezcla recuerdos personales y ficción para retratar a una generación marcada por los cambios sociales de los años ochenta, momentos duros de reconversión en los que el desempleo golpeaba a muchos países europeos.

    Unas circunstancias que quedan sugeridas o remarcadas en una película que busca recrear el olor y el color de una familia de clase media en aquellos tiempos.

    «Eran unos años particulares en Francia», recuerda Nakache. «Por un lado, hubo una gran crisis; pero, al mismo tiempo, la izquierda de François Mitterrand llegó al poder, lo cual trajo muchísima esperanza. Y además fueron unos años marcados por la abundancia de dinero en efectivo y por la influencia de Estados Unidos».

    El momento «mágico y breve» entre la niñez y la edad adulta en el que «se aprende todo a la vez» es el eje central de ‘Tiempos de ilusión’, la nueva película de los franceses Olivier Nakache y Eric Toledano (‘Intocable’), que recrean con una mirada cálida y humanista su adolescencia en los años ochenta en la periferia parisina. EFE/Manuel Moutier/Acontracorriente Films

    Como ocurrió con ‘Intouchables’ (2011), sobre la improbable amistad entre un millonario parapléjico y su cuidador inmigrante, el tono de comedia les sirve a estos realizadores para hablar «con cierta elegancia» -dice Nakache- de asuntos dramáticos.

    «Es un barniz que aplicamos a las secuencias, a las escenas y a los personajes, porque también en nuestra adolescencia ambos vivimos momentos muy cinematográficos y muy divertidos. Lo que nos gusta es convertir lo ordinario —lo cotidiano— en algo extraordinario», resume el realizador.

    La decepción de la modernidad

    La película refleja a unos padres que lidian con sus problemas económicos o con la influencia en sus trabajos de la aparición de unos enormes aparatos llamados ordenadores, mientras para los hijos lo urgente es el primer amor, escuchar a Joy Division o conseguir alquilar una cinta porno en el videoclub para ver en pandilla.

    Que hoy se mire con nostalgia aquel momento histórico, incluso por parte de quien no lo vivió, es algo que para Toledano tiene que ver con la decepción que nos ha traído la modernidad.

    «La modernidad nos hizo una promesa: que seríamos liberados de todo. Pero, en realidad, estamos más atados que nunca a las pantallas», remarca, lo que se une a nuevas angustias como la ansiedad por el cambio climático.

    Y en parte de ahí viene la elección del título de la película, ‘Tiempos de ilusión’ (en francés ‘Juste une illusion’). «Queremos que se sienta el aroma de aquellos años. En este sentido, la película es una ilusión: la de regresar al pasado y volver a ver cómo vestían nuestros padres y madres, o cómo éramos a los 13 años», dicen.

    «Hace poco —estábamos en Roma—, al encenderse las luces de la sala, vi a mucha gente llorando», relata Toledano.